LO INVISIBLE NICOLÁS FRANCISCO HERRERO

Nicolás Francisco Herrero, al término de la conferencia define: el teatro, el actor, la actuación, debe llevar a la escena lo que no se ve de la vida, lo que no apreciamos, los contenidos invisibles. : el teatro debe llevar a la escena lo que no se ve de la vida, lo que no apreciamos, los contenidos invisibles. Debemos ser capaces de encarnar los secretos de la existencia y de los mundos posibles.

TEATRO /15-5823-5865/ FEDERICO HERRERO

TEATRO /15-5823-5865/ FEDERICO HERRERO NICOLÁS FRANCISCO HERRERO DIRECTORES PROFESORES. Teatro del Futuro. Hoy me voy a detener en aspectos de la visión de ellos, respecto al trabajo del actor. Es preciso que el actor transmita lo que siente al espectador, recurriendo a sus medios teatrales, medios de dar y tomar, un tipo de actuación que pueda completar la imaginación del espectador, un juego que estén ligados a la utilización de distintas fases. Dar y tomar, significa que el actor esté entrenado para la devolución del espectador y transformación de energía. Un actor que evite la imitación, este es un concepto muy complicado, ya que en la actualidad los actores tienden a imitaciones realistas, en realidad con naturalidad, realizan imitaciones y no vida real de sus personajes. Un actor que se detenga en la re-elaboración de conceptos de su tarea En Argentina este tema uno lo puede advertir, ya que en general los actores no traspasan la pantalla o comunican al espectador sus sentimientos artísticos. Un actor que conozca profundamente sus recursos internos y expresivos, pero ante todo claridad en los conceptos. Hoy mas que nunca es necesario la profundización de los conceptos, el re-pensamiento del arte del actor. ESTUDIE TEATRO CON LOS MEJORES: DIRECTORES-PROFESORES: FEDERICO HERRERO+NICOLÁS FRANCISCO HERRERO Informes: 15-5823-5865

LIBRO NICOLÁS FRANCISCO HERRERO

Los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, en el año 2007, con el auspicio del instituto internacional de teatro, publicaron el libro:

Actuación y arte dramático

A continuación conceptos contenidos en el libro citado, desde mi punto de vista.
Federico Herrero, en capitulo dos afirma: no sé si yo diría que no hay teorías vinculadas a la actuación. 

Sé que, para mí, no hay; quizás porque no estoy en condiciones de medir o elaborar una; por otra parte, no seré nunca capaz de elaborar una, porque en la idea de la teoría hay toda una elaboración escrita, una práctica. 

Digamos que, entre nosotros, los realizadores de puesta en escena y los directores, nosotros practicamos la práctica, y no la teoría. 

Los directores afirman: sin embargo, pienso que hay una cierta teoría, al menos hay leyes teóricas que se encuentran, curiosamente, en todas las leyes de la actuación. 

Los directores y el concepto contenido en al capítulo tres: la expresión teoría de la actuación no nos parece fundamentalmente falsa, pero nos parece un poco terminante. Federico Herrero y la siguiente reflexión: prefiero utilizar las leyes fundamentales que a veces se conocen, que a veces se pierden y se olvidan, más que la práctica que, de golpe, hace resurgir la ley de la tradición. 
No diría que no hay teoría; al contrario, hay múltiples teorías. Evidentemente, lo que me interesa de esas múltiples teorías son las leyes que las atraviesan a todas.Los directores afirman: pero lo que hemos escrito está tan próximo a la práctica del teatro, que de hecho hay toda una traducción teórica tan fuerte que es casi una práctica.
Federico Herrero y una interesante reflexión: mas de una vez no he logrado que un actor llegue a actuar. 
Como director no logre a ayudar a un actor. 
Me preguntaba por qué y no lo comprende. 
De hecho, tiene la impresión de respetar las leyes; súbitamente, percibe que se olvidó lo esencial, cómo es eso de estar en el presente. 
Pienso que el teatro es el arte del presente para el actor. 
No hay pasado, no hay futuro. Está el presente, el acto presente.

NICOLÁS FRANCISCO HERRERO CLASES DE TEATRO

NICOLÁS FRANCISCO HERRERO CLASES DE TEATRO INFORMES 15-5823-5865 Federico Herrero y una respuesta, la actuación, el teatro proporciona la posibilidad de descubrir un mundo en el cual las personas podrán desarrollar con diferentes métodos su personalidad, de esta manera generar creatividad y explorar dentro de sí mismo. El teatro les permite a los alumnos socializar, desenvolverse con el medio, descubrir la identidad, soltar emociones y sentimientos reprimidos, aprender a ser más flexibles y a ser un poco más valientes dentro de nuestro propio mundo, Federico Herrero parte de la idea que el trabajo grupal se convierta en una experiencia inolvidable. Nicolás Francisco Herrero, afirma, que es un buen medio de conocimiento de uno mismo, el alumno logra un nivel singular que le ayudará a desenvolverse en la actuación y en la vida. Federico Herrero, la clave del buen actor es el conocimiento extremo de si mismo. ESCUELA DE TEATRO FEDERICO HERRERO INFORMES 15-5823-5865, LAS CLASESDE ACTUACIÓN LAS DICTA PERSONALMENTE: EL DIRECTOR PROFESOR DE TEATRO: FEDERICO HERRERO. A ESTUDIANTES DE TEATRO, PARA EL TRABAJO EN ACTUACIÓN PROFESIONAL LA REGLA DE TRES TIEMPOS, LA ACTUACIÓN MÚLTIPLE, SON DETERMINANTES. CLASES DE TEATRO EN CAPITAL FEDERAL : ¿TU PROFESOR DE TEATRO TIENE ANTECEDENTES QUÉ TE ASEGUREN UNA FORMACIÓN MODERNA Y ACTIVA, TE PUEDE ASEGURAR CONTINUIDAD, PUEDE EVITAR PERDIDAS DE TIEMPO CON DISCURSOS ABURRIDOS DE GRUPO Y OTRAS BOLUDECES, ESTÁ ACTUALIZADO, ETC, ETC. ETC.......? Entre las idioteces mas grandes es establecer escuelas de actuación: de teatro, cine y televisión, una gran burrada, el actor siempre es actor, muy largo de explicártelo, lo que si te afirmo cuando la publicidad determina que es actuación para teatro, cine o televisión: SALÍ CORRIENDO: NO SABEN NADA... VOS CONSIDERAS QUE REALMENTE APRENDISTE EN EL AÑO QUE TERMINA, SE CUMPLIERON TUS EXPECTATIVAS, TODOS LOS COMPAÑEROS DE TUS CLASES QUE DEJARON EN MITAD DE CAMINO ESTABAN EQUIVOCADOS....Y LA LISTA ES INTERMINABLE... CLASES DE TEATRO DICTADAS PERSONALMENTE POR DIRECTOR Y PROFESOR DE TEATRO, SIN AYUDANTES, RELACIÓN DESDE EL PRIMER DÍA HASTA EL ULTIMO ENTRE ALUMNOS Y PROFESORES, EN AVENIDA SANTA FE O EN AVENIDA CORRIENTES, ESTUDIE CON LOS MEJORES: Clases de teatro; Federico Herrero, la regla de tres tiempos, la actuación múltiple,anclas activas, algunas de las 200 reglas de la actuación profesional, director profesor de teatro, Escuelas de teatro, No trabajar con materias, todo debe estar incluido en el actuar, actuación y unidad, tema determinante, de una Maestro de actores: Federico Herrero, una buena escuela de teatro, debe estar actualizada en conceptos y contenidos, además de lograr lo mejor de cada estudiante, enseñarles a conseguir trabajo, resolver temas legales. DIRECTORES-PROFESORES DE TEATRO: FEDERICO HERRERO+NICOLÁS FRANCISCO HERRERO. ESPECIALISTAS EN EL TEMA VANGUARDIA en escuelas de teatro: FEDERICO HERRERO-NICOLÁS FRANCISCO HERRERO. Matrícula nacional 33654, I.N.T. 6723, A.t.5463 INFORMES DE ACTIVIDADES TELÉFONO: 15-5823-5865 TÍTULOS Y CERTIFICADOS OFICIALES INCLUSIÓN LABORAL TEATRO ESCUELA CENTRAL INSTITUCIÓN CREADA EN EL AÑO 1978 EVOLUCIÓN DE LA MANO DE NICOLÁS FRANCISCO HERRERO Y EXPERIENCIA DE FEDERICO HERRERO. CLASES DE TEATRO EN AVENIDA SANTA FE O EN AVENIDA CORRIENTES. VANGUARDIA en escuelas de teatro, INFORMES: 15-5823-5865: FEDERICO HERRERO-NICOLÁS FRANCISCO HERRERO. Matrícula nacional 33654, I.N.T. 6723, A.t.5463

A ALUMNOS DE ACTUACIÓN FEDERICO HERRERO

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, con decisión, sugieren a los alumnos presentes, no se olviden jamas, que el arte del teatro, es ante todo actuación, depende de los actores hacer volar al espectador, que se convierta en un cómplice. En este sentido el espectador no existe sino como visión pura y el placer que este experimenta se deriva del hecho de que su deseo de distancia se ve plenamente satisfecho. El sentido mismo del teatro es presentar el mundo humano con un distanciamiento absoluto, infranqueable. Esta distancia que se genera entre el espectador y el teatro como un mundo cerrado debe aceptarse y debe presentarse en toda su puridad, en el arte del actor. Aunque el espectador puede participar emocionalmente, el curso de la acción siempre se le presenta desde un lugar al cual él nunca puede acceder y de ningún modo puede modificar. Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, y un concepto interesante y claro: los personajes que tienen su lugar en la acción de una obra justifican su objetivo por medio de razones, es decir, se dan argumentos para intentar cumplir con el mismo. En el plano real del teatro no se sabe en verdad qué sucede en las conciencias de los personajes pero sí quedan perfectamente en evidencia cuáles son los derechos que se enfrentan. Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, cualidad determinante del actor, la inteligencia activa. Actuación y comprensión de la obra o guión, el conflicto del que el teatro y arte dramático en general, se ocupa es un conflicto de derechos: el teatro, sería así, desde el punto de vista de Federico Herrero un espacio cerrado y mágico en la cual los hombres vienen a luchas por sus vidas. Federico Herrero, afirma, es clave que la actuaciones sean magnificas para que el espectador participe en estas luchas. Para definir mejor este concepto de distancia en el teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, lo comparan con otras formas artísticas, como la novela y el cine. En la novela, la conciencia del héroe es mi conciencia: por lo tanto, la identificación es absoluta. En el cine, en cambio, se produce cierta ambigüedad: mientras que a veces el ojo de la cámara se intercala como testigo impersonal entre el espectador y el objeto contemplado (generando así una distancia rigurosa entre el sujeto y el objeto), muchas otras veces el ojo de la cámara se identifica con el ojo del personaje. Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, y un concepto clave, en actuación, el personaje es definitivamente el otro. Sin embargo no es el otro de un modo absoluto: en la vida el otro no es sólo aquel a quien yo miro, es también aquel que me mira. En el teatro, el personaje, es decir, el otro, no me observa jamás. Y dado que considera que esta cualidad de distancia es esencial, constitutiva del hecho teatral.

Federico Herrero, director de teatro, una reseña de el Estudio de actores

Federico Herrero, director de teatro, una reseña de el Estudio de actores. Estamos dispuestos a ser influenciados por todo, a tratar todo, no tenemos miedo a dar nada acá. Aquí no hay nada sagrado. Cualquier cosa que nos pueda ayudar a ser mejores, a completar la labor del actor, a contribuir hacia un teatro más vivo y dinámico, es desde todo punto de vista valido y vale la pena trabajar en ello. A Federico Herrero no le preocupa la producción, por lo tanto no importa si una pieza de trabajo individual en estudio es un éxito o un fracaso, porque es solamente bueno o malo de acuerdo a las necesidades individuales de su propio desarrollo.
No importa si uno está de acuerdo o en desacuerdo. El Studio no necesita que todos estén de acuerdo. Necesita un líder, de otra manera es un tipo de actividad sin ninguna forma, pero un Studio puede existir aún sin un líder si los individuos de ése Studio están suficientemente ávidos de acuerdo con sus necesidades y con la investigación para el desarrollo de sus necesidades. El trabajo que nosotros hacemos, por supuestos, puede ser hecho en la escuela. Cuando decimos que oso somos una escuela, no queremos significar que no haya enseñanza aquí. Obviamente la naturaleza completa del entrenamiento es parte del proceso escolar. Somos una escuela de graduados basados en la selección individual. No es el tipo de escuela a la que uno llega inscribiéndose, es una escuela que selecciona lo mejor en un arte y por supuesto hemos levantado esto a ése nivel. La gente cree que el Studio es una escuela porque no son conscientes de que los resultados que aquí se obtienen, pueden ser obtenidos en cualquier otro lugar o con cualquier otro proceso de estudio. Muchas veces he tenido que explicar que no somos una escuela en el sentido de que el trabajo no es sistemático. Nuestro trabajo se desarrolla solamente en un nivel muy pequeño y el hecho de que los resultados hayan sido obtenidos es porque han sido conducidos en este nivel y nos ha llevado a que nosotros queramos trabajar sobre fundamentos más firmes. En una escuela no hay, por supuesto, diferencias de opiniones. La escuela está dirigida por la gente que está a su cabeza. Los maestros enseñan lo que tiene que enseñar. Si no les gusta esto se van y son reemplazados por otros maestros. Los alumnos no tienen libertad de opinión, juicio o acción. Si quieren permanecer en la escuela tienen que hacer lo que se les pide. Están sujetos a la disciplina de la escuela. La escuela tiene la responsabilidad de establecer los fundamentos técnicos de cada individuo, prescribir el trabajo bueno o malo y si un individuo no está de acuerdo tiene el derecho de irse. En la escuela no hay otro tipo de derecho. A pesar de que no se trabaja con un procedimiento sistemático, mucha gente de afuera piensa que existe. Es vedad que yo tengo ideas muy definidas. El trabajo en el Studio sigue ciertas tendencias, pero también es verdad que la gente acá trabaja de acuerdo a sus propios deseos e iniciativos. La gente que solamente hace lo que nosotros pedimos encuentra que el trabajo tiene muy poco valor. Cuando el actor realmente trabaja y siente que está haciendo lo que quiere, lo que es importante para él, se abre hacia la crítica fuerte. Tratamos de contener esa crítica para que no se transforme en algo demasiado personal, pero no la contenemos del todo, porque es por medio de ésa crítica o el análisis de la gente que tiene los mismos problemas, que nosotros comenzamos a lograr lo que somos capaces, en lugar de tratar de establecer aquello que es sencillo o que nos puede llevar al éxito. En estos puntos somos muy estrictos y en nuestras ideas y demandas para con la crítica y sobre todo autocritica. El Método, por Lee Strasberg.Estamos dispuestos a ser influenciados por todo, a tratar todo, no tenemos miedo a dar nada acá Aquellos de ustedes que están aquí, antes que el público comenzara a estar en contra nuestra, saben con toda honestidad que nunca hubo ninguna charla formal o discusión de principios de actuación o de otro tipo sobre aquello que llamamos el método y ni siquiera sobre Stanislavsky. Como ustedes saben, comencé a utilizar a Stanislavsky o para ser más exactos el nombre de Stanislavsky en 1955. Personalmente y deliberadamente me he abstenido de utilizar su nombre o de dar cabida a cualquier tipo de idea con respecto a que yo estaba enrolado en algún topo de disciplina. EN los primero días del Studio y o solamente era uno de los maestros y por lo tanto sentía que era injusto para el Studio hacer eso. Yo hacia mi propio trabajo de la manera que yo creía que otra gente hacía el de ellos. Por lo tanto siempre he sido claro en mis propias ideas con respecto al tipo de trabajo que quiero realizar y a la manera de llevarlo a cabo. Siempre ha sido alimentado mi trabajo por esos principios que derivan de Stanislavsky. Pero nunca hago algo por el simple hecho de que otra gente dice que hay que hacerlo. Hago lo que he probado y creo que camina. Cuando veo que camina entonces doy crédito al individuo que lo dijo. Siempre tengo miedo de decir lo que lo que pongo en práctica es Stanislavsky, porque tengo miedo de utilizarlo mal o erróneamente. Quiero darle crédito a Stanislavsky, pero no quiero que se desmerezca su imagen con cualquier cosa que yo pueda hacer. Es cierto que los elementos básicos son de Stanislavsky, pero yo espero y confío que haya ido más allá y haya contribuido con algo de mí mismo. De más está decir el reconocimiento que guardo por el trabajo de mis maestros, la gran deuda que siento hacia ellos y a lo que yo entiendo del trabajo de Stanislavsky. Únicamente cuando el trabajo del Studio comenzó a obtener respuesta de afuera, se comenzó a utilizar la palabra método y fue utilizada por gente de afuera. Entonces no solamente contemporice sino que también dije, “Bueno, las mejores cosas de lo que hago supongo que son de Stanislavsky, las otras cosas vienen de mi.” El método, o la palabra método fue utilizada por primera vez fuera del Studio. El énfasis en el articulo “el” vino de otra gente que quería indicar de esta manera que se estaba refiriendo no a cualquier método, sino al método particular que se utiliza en el Studio. Nosotros simplemente diríamos; un método o ideas de Stanislavsky o el método de Stanislavsky, porque el trabajo en el Studio es hecho de una manera totalmente fuera del sistema, como ustedes que están en algunas clases privadas mías están comenzando a darse cuenta. Lo más importante del método de Stanislavsky es que está opuesto a todo sistema. Un sistema implica una teoría con reglas precisas de lo que debemos hacer en cada momento. Los sistemas del pasado eran exactamente eso. Ustedes tenían maneras distintas de hacer las cosas en situaciones diferentes. En el sistema De Sarte, que tiene gran aceptación en América, ustedes tenían figuras de las cuales debían copiar ligeramente cada estad de emoción o secuencia de emoción. El lugar para las manos y otro tipo de manifestación dele cuerpo estaba prescripto. El método de Stanislavsky no es un sistema. No se refiere a los resultados y por lo tanto no establece ninguna regla para la que se debe hacer. Solamente trata de mostrar al actor el camino a seguir, como debe el actor enfrentar el arte. Como debe él tratar de encontrar lo que solamente puede él encontrar, así lo haya encontrado ya. Nadie puede explicar el misterio del talento, tratamos de tomar el misterio de la actuación en el sentido en que tratamos de dar a la actuación una característica y única técnica. Nadie puede objetar con respecto a esto, sin embargo pensamos que nuestra técnica no solamente va dirigida hacia la forma exterior de la actuación, sino precisamente a la forma interior. Pensamos que esta es una técnica en la que uno puede entrenarse a sí mismo. Cuando Stanislavsky dijo, “No me imiten”, “No hagan lo que yo hago”, no solamente quería puntualizar que él había trabajado toda su vida y que había escrito sus libros para que los actores no utilizaran lo que él había descubierto. Lo que en esencia quería significar con estas palabras era que él había descubierto principios y verdades, pero que el actor tiene que saber cuándo y bajo qué condiciones utilizar esas verdades. Si no lo utiliza bien el trabajo es malo. Por lo tanto su método no es en ese sentido un método, es un procedimiento, él lo llamó, “Notas para el momento de la dificultad”. Está bien no preocuparse del medio cuando uno está saludable. Usted necesita del medico cuando esta enfermo, . Pero no puede curar la enfermedad y no puede actuar por un libro. Ningún conocimiento puede ser mayor que la habilidad de saber cuándo utilizarlo. No solamente el método de Stanislavsky no es un sistema, sino que no es Stanislavsky. Lo que yo quiero decir y lo que Stanislavsky quiere decir con esto es que él no hizo esto por un proceso mental peculiar. Son las observaciones de Stanislavsky sobre lo que los actores hacían. Practico en si mismo lo que pensó que él veía en otros actores para saber si esto podía marchar o no. Como resultado, él llego a un tipo de comprensión o lógica de lo que pasa en la actuación y por lo tanto estuvo capacitado para dar sugerencias.

DIRECTORES /PROFESORES DE TEATRO /15-5823-5865/

DIRECTORES /PROFESORES DE TEATRO /15-5823-5865/ FEDERICO HERRERO NICOLÁS FRANCISCO HERRERO...El objetivo EN PARTE es descubrir las nuevas vidas subyacentes de cada uno. El énfasis está puesto en una visión más intelectual y filosófica de lo que uno quiere en la vida. Es necesario comenzar desde un estadio de presente para lograr una corriente fluida y evitar la tendencia a la repetición. Los directores y el siguiente concepto: en el arte del actor, es importante darse el tiempo para llegar y descansar, sentir lo nuevo y distinto de uno mismo y del alrededor. Permanecer sentados en escena, por ejemplo, sintiendo lo nuevo. Los primeros quince minutos, quizá convenga no hacer nada. Simplemente, no hacer. Simplemente registrar el cuerpo y nuestro interior, según lo que el cuerpo e interiores vayan indicando; es decir, no hacer al principio un reconocimiento parte por parte de todo el cuerpo, sino ir solamente a aquellas que llamen, donde haya dolor, tensión. Dejar que el cuerpo conteste a la pregunta ¿cómo estoy? Funcionar con el fluir de la conciencia: valorar el aquí y ahora. Los directores concluyen este tramo de la conferencia con la siguiente reflexión: el arte del actor en grandes significados y profundidades no habituales, es actuar las nuevas realidades. Nicolás Francisco Herrero concluye este segmento de la conferencia: -teatro y actuación es presente-, con su frase predilecta, -que en el arte de la actuación, nunca lo real supere a la ficción-.