El actor, actuación, Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero: especialistas en artes y ciencias del actor, TELÉFONO 15-58235865. Federico Herrero, director de actores, conceptos respecto a la actuación en televisión, trabajo de investigación, publicado en el Teatro Escuela, año 1981, en la actualidad: Nicolás Francisco Herrero, está preparando una versión actualizada del trabajo citado. Federico Herrero comienza el trabajo con la siguiente definición: el objetivo de este trabajo es compartir experiencias sobre la interpretación escénica; los métodos y técnicas utilizadas por los y las interpretes para crear su personaje y actuación. Todos los aportes serán de valiosa ayuda en el transitar de ese camino en espiral tan delicioso, y doloroso a veces; en la búsqueda de encarnar un personaje, que es la búsqueda de nosotros mismos primero como seres humanos y luego como artistas. Para empezar la eterna cuestión sobre las diferencias de actuar en teatro y en audiovisual. Para mi es mejor no gastar saliva en ese tema y más bien dedicarse a trabajar en el campo, pero cómo este trabajo está creado con el objetivo de discutir; construir y profundizar en temas de actuación, pues me voy a dar la libertad de señalar la diferencia principal; según mi concepto; sobre la interpretación en teatro y en audiovisual. La cuestión se limita y se refiere solamente a una cuestión de técnica corporal meramente eso es todo, en el teatro tu cuerpo y voz deben tener una distinta utilización distinto, la calidad de la acción física es diferente, la mayoría de las veces más amplia, pero no es una regla tampoco. Al hablar de técnica corporal me refiero a desplazamiento, acción física, palabra y ritmo. En el juego teatral se requiere una extraordinaria capacidad corporal, un gran sentido de la perspectiva escénica y un control de la emoción qué raya en el virtuosismo, pero repito todo esto desde el punto de vista de la acción física, del efecto y del volumen, del signo externo. En el audiovisual el signo externo es contenido, detallado, a veces difuso. Pero la imagen interna o causa debe ser grande y explosiva, muchas veces o la mayoría de las veces no hay continuidad en la línea de tiempo, de repente la primera toma que se hace es la última y más dramática en el tiempo del personaje y el actor o actriz debe estar preparado para llevar a su personaje al 100% en un segundo, hay mayor desgaste emocional en el audiovisual. Otra gran diferencia es que la cámara casi siempre está tomando solo una parte de tu cuerpo y por lo tanto el desgaste físico es menor y o debe ser dirigido a puntos específicos; qué es lo que va a ver el espectador al final. Pero bueno dejo el tema abierto a discusión, lo qué si es cierto es qué más allá de la técnica el problema de actuar ya sea en cine o teatro o televisión o vídeo es actuar. Nunca se debe actuar siempre se debe ser y para ser hay qué estar. La técnica se adquiere practicándola así que no hay por qué preocuparse. Federico Herrero, en otro instante del trabajo de investigación aclara: el segundo punto que quiero tocar se refiere a los planos; movimientos y emplazamientos de cámara. Me parece qué todo actor y actriz qué quiera trabajar en audiovisual debe conocer el lenguaje audiovisual. Al conocer el tipo de plano; movimiento y situación de la cámara el actor obtiene una perspectiva de su situación en la puesta en escena, qué por supuesto te ayuda a dosificar tu energía y le permite enfocar tu trabajo físico. Es tan importante para un actor o actriz conocer el lenguaje de la cámara, como para un actor de teatro conocer dónde está el público, qué tan grande es el teatro y donde es la tras escena.

El actor, actuación, Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero: especialistas en artes y ciencias del actor,  
TELÉFONO 15-58235865. 

Federico Herrero, director de actores, conceptos respecto a la actuación en televisión, trabajo de investigación, publicado en el Teatro Escuela, año 1981, en la actualidad: Nicolás Francisco Herrero, está preparando una versión actualizada del trabajo citado.


Federico Herrero comienza el trabajo con la siguiente definición: el objetivo de este trabajo es compartir experiencias sobre la interpretación escénica; los métodos y técnicas utilizadas por los y las interpretes para crear su personaje y actuación.

Todos los aportes serán de valiosa ayuda en el transitar de ese camino en espiral tan delicioso, y doloroso a veces; en la búsqueda de encarnar un personaje, que es la búsqueda de nosotros mismos primero como seres humanos y luego como artistas.


Para empezar la eterna cuestión sobre las diferencias de actuar en teatro y en audiovisual. 
Para mi es mejor no gastar saliva en ese tema y más bien dedicarse a trabajar en el campo, pero cómo este trabajo está creado con el objetivo de discutir; construir y profundizar en temas de actuación, pues me voy a dar la libertad de señalar la diferencia principal; según mi concepto; sobre la interpretación en teatro y en audiovisual.
La cuestión se limita y se refiere solamente a una cuestión de técnica corporal meramente eso es todo, en el teatro tu cuerpo y voz deben tener una distinta utilización distinto, la calidad de la acción física es diferente, la mayoría de las veces más amplia, pero no es una regla tampoco. 
Al hablar de técnica corporal me refiero a desplazamiento, acción física, palabra y ritmo. 
En el juego teatral se requiere una extraordinaria capacidad corporal, un gran sentido de la perspectiva escénica y un control de la emoción qué raya en el virtuosismo, pero repito todo esto desde el punto de vista de la acción física, del efecto y del volumen, del signo externo.
En el audiovisual el signo externo es contenido, detallado, a veces difuso. Pero la imagen interna o causa debe ser grande y explosiva, muchas veces o la mayoría de las veces no hay continuidad en la línea de tiempo, de repente la primera toma que se hace es la última y más dramática en el tiempo del personaje y el actor o actriz debe estar preparado para llevar a su personaje al 100% en un segundo, hay mayor desgaste emocional en el audiovisual. 
Otra gran diferencia es que la cámara casi siempre está tomando solo una parte de tu cuerpo y por lo tanto el desgaste físico es menor y o debe ser dirigido a puntos específicos; qué es lo que va a ver el espectador al final. Pero bueno dejo el tema abierto a discusión, lo qué si es cierto es qué más allá de la técnica el problema de actuar ya sea en cine o teatro o televisión o vídeo es actuar. Nunca se debe actuar siempre se debe ser y para ser hay qué estar. La técnica se adquiere practicándola así que no hay por qué preocuparse.Federico Herrero, en otro instante del trabajo de investigación aclara: el segundo punto que quiero tocar se refiere a los planos; movimientos y emplazamientos de cámara. 
Me parece qué todo actor y actriz qué quiera trabajar en audiovisual debe conocer el lenguaje audiovisual. 

Al conocer el tipo de plano; movimiento y situación de la cámara el actor obtiene una perspectiva de su situación en la puesta en escena, qué por supuesto te ayuda a dosificar tu energía y le permite enfocar tu trabajo físico. 

Es tan importante para un actor o actriz conocer el lenguaje de la cámara, como para un actor de teatro conocer dónde está el público, qué tan grande es el teatro y donde es la tras escena.

Actuación, el actor creador, Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, dictaron en la Facultad de Filosofía y Letras de la ciudad de Buenos Aires, una conferencia tema: -el actor: creador-. A continuación conceptos de la conferencia citada: Federico Herrero y una definición:-entre el texto redactado por un dramaturgo y el espectador que contempla una obra de teatro existe siempre un elemento decisivo, el actor, que da vida a toda la representación-. Sobre la figura del actor giran todos los elementos del teatro, no en vano es él quien ha de mostrarse ante el público y obtener su aprobación. Federico Herrero resume en dos las cualidades que son relevantes en el arte del actor: sensibilidad fuera de lo común e inteligencia extraordinaria. Los problemas que suscita la actuación dramática son tan viejos como el propio teatro y plantean, por ejemplo, si el actor debe sentir o, por el contrario, ha de conformarse con imitar, o si debe expresarse de manera natural o ha de hacer uso de procesamientos artificiales. Teorías y evolución histórica. Se ha discutido mucho sobre si el actor es un artista creador o un simple intérprete. Cuando su práctica profesional se contempla como una actividad meramente interpretativa, adquieren una mayor importancia los aspectos externos de su trabajo; cuando, por el contrario, se identifica con un arte creador, conduce a la búsqueda de los elementos más profundos que mueven la imaginación y la sensibilidad del actor. El trabajo de éste requiere capacidad para adaptarse a otra personalidad, dar consistencias a acontecimientos indistintos y realizarlos plenamente, y se desarrolla en momentos y lugares específicos, con independencia del estado de ánimo. Se trata, en una palabra, de forjar una habilidad para responder a circunstancias imaginarias. Aristóteles hizo notar que la tarea del actor suponía una correcta utilización de la voz para expresar las distintas emociones. La habilidad es un don natural que difícilmente puede aprenderse; no así los principios de una buena dicción. La doble dimensión descrita por el filósofo griego pervivió en el teatro romano y ha llegado hasta nuestros días. Por un lado se reconoce que el actor debe verse afectado por las sensaciones que desea trasladar al espectador; por el otro, se llama la atención sobre la necesidad de utilizar un sistema preciso de expresión, con una mirada peculiar, un tono y unos gestos apropiados a las distintas emociones. Si en Grecia y en Roma fueron muchos los autores que alcanzaron prestigio, en la edad media la interpretación, ambulante y anónima, recayó en manos de juglares, cantores y acróbatas, al tiempo que la Iglesia Católica desarrollaba sus propios géneros, en los que los sacerdotes tendrían ocasión de mostrar su talento dramático.

Actuación, el actor creador, Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, dictaron en la Facultad de Filosofía y Letras de la ciudad de Buenos Aires, una conferencia tema: -el actor: creador-.

A continuación conceptos de la conferencia citada:

Federico Herrero y una definición:-entre el texto redactado por un dramaturgo y el espectador que contempla una obra de teatro existe siempre un elemento decisivo, el actor, que da vida a toda la representación-.

Sobre la figura del actor giran todos los elementos del teatro, no en vano es él quien ha de mostrarse ante el público y obtener su aprobación. 

Federico Herrero resume en dos las cualidades que son relevantes en el arte del actor: sensibilidad fuera de lo común e inteligencia extraordinaria.

Los problemas que suscita la actuación dramática son tan viejos como el propio teatro y plantean, por ejemplo, si el actor debe sentir o, por el contrario, ha de conformarse con imitar, o si debe expresarse de manera natural o ha de hacer uso de procesamientos artificiales.

Teorías y evolución histórica.

Se ha discutido mucho sobre si el actor es un artista creador o un simple intérprete. 

Cuando su práctica profesional se contempla como una actividad meramente interpretativa, adquieren una mayor importancia los aspectos externos de su trabajo; cuando, por el contrario, se identifica con un arte creador, conduce a la búsqueda de los elementos más profundos que mueven la imaginación y la sensibilidad del actor.
El trabajo de éste requiere capacidad para adaptarse a otra personalidad, dar consistencias a acontecimientos indistintos y realizarlos plenamente, y se desarrolla en momentos y lugares específicos, con independencia del estado de ánimo. 

Se trata, en una palabra, de forjar una habilidad para responder a circunstancias imaginarias. 

Aristóteles hizo notar que la tarea del actor suponía una correcta utilización de la voz para expresar las distintas emociones.

La habilidad es un don natural que difícilmente puede aprenderse; no así los principios de una buena dicción. 

La doble dimensión descrita por el filósofo griego pervivió en el teatro romano y ha llegado hasta nuestros días. 

Por un lado se reconoce que el actor debe verse afectado por las sensaciones que desea trasladar al espectador; por el otro, se llama la atención sobre la necesidad de utilizar un sistema preciso de expresión, con una mirada peculiar, un tono y unos gestos apropiados a las distintas emociones.

Si en Grecia y en Roma fueron muchos los autores que alcanzaron prestigio, en la edad media la interpretación, ambulante y anónima, recayó en manos de juglares, cantores y acróbatas, al tiempo que la Iglesia Católica desarrollaba sus propios géneros, en los que los sacerdotes tendrían ocasión de mostrar su talento dramático.

Teatro socio-existencial, Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, directores de teatro y especialistas en artes y ciencias del actor, publicaron en el Teatro Escuela Central, un apunte sobre el: -Teatro socio-existencial-. A continuación conceptos del trabajo citado. Federico Herrero comienza el apunte con el siguiente concepto: el teatro de ruptura o teatro socio-existencial nació a mitades del siglo XX en Francia, también es denominado como el teatro del compromiso social. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre, el mayor representante del existencialismo. Sus obras, inspiradas en sus doctrinas filosóficas, tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza, su existencia, la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades, así como el objetivo de los humanos. Además de Sartre, también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existenciales. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época, refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos, dejando a un lado el tema en si. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea, los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras, pobreza, conflictos entre países, violencia entre otros. El teatro socio-existencial criticaba la situación contemporánea, igual que el teatro del absurdo, la diferencia entre estos dos consiste en que el existencial propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. En conclusión, el teatro socio-existencial fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. Este género se enfocaba en la crítica, para posteriormente alentar al público sobre acciones que cambiasen el ambiente criticado.

Teatro socio-existencial, Federico Herrero y  Nicolás Francisco Herrero,  directores de teatro y especialistas en artes y ciencias del actor, publicaron  en el Teatro Escuela Central, un apunte sobre el: -Teatro socio-existencial-.

A continuación conceptos del trabajo citado.

Federico Herrero comienza el apunte con el siguiente concepto: el teatro de ruptura o teatro socio-existencial nació a mitades del siglo XX en Francia, también es denominado como el teatro del compromiso social.
Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre, el mayor representante del existencialismo.

Sus obras, inspiradas en sus doctrinas filosóficas, tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza, su existencia, la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades, así como el objetivo de los humanos.
Además de Sartre, también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existenciales.
Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época, refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos, dejando a un lado el tema en si.
Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea, los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras, pobreza, conflictos entre países, violencia entre otros.
El teatro socio-existencial criticaba la situación contemporánea, igual que el teatro del absurdo, la diferencia entre estos dos consiste en que el existencial propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público.
En conclusión, el teatro socio-existencial fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. Este género se enfocaba en la crítica, para posteriormente alentar al público sobre acciones que cambiasen el ambiente criticado.

-PSICOIMPACT- TEATRO ARGENTINO DISTINTO.....

-PSICOIMPACT- Teatro Argentino singular- AUTOR Y DIRECTOR Nicolás Francisco Herrero 

La obra tiene una duración de 1 hora Y MINUTOS Producción de la obra Teatro Escuela Central.

-Psicoimpact-, Obra con situaciones dramáticas y con algo de humor. La obra "Psicoimpact", se presentó en festivales de teatro y en espacios no convencionales, y en las distintas funciones provocó elogios de los espectadores presentes y de analistas especializados en el tema. La obra de Nicolás Francisco Herrero, quién ademas de autor, es el encargado de la dirección de la obra, compartiendo la dirección de la misma y la puesta en escena con el emblemático director de teatro Federico Herrero.
La obra tiene una duración de una hora y minutos, la acción de la historia propuesta por el autor, está situada en una zona extraña del tiempo, en una dimensión desconocida, y en este espacio ocurre un feroz enfrentamiento entre dos personajes, tal vez pasado y futuro, es a partir de este enfrentamiento que se provocan múltiples emociones en el espectador, un humor ácido recorre la trama. El autor instala en el espectador una pregunta, entre otras, si se tuviera la posibilidad de repetir la vida, sería lo mismo, las mismas elecciones, sucesos similares o las experiencias nos sirven para mejorarla.

-Franz Kafka-, Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor

-Franz Kafka-, Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, presentaron en la facultad de ciencias sociales de la ciudad de Buenos Aires un trabajo de investigación teatral sobre el escritor Franz Kafka.

En parte estos apuntes corresponden a la puesta en escena de la obra: -Informe para una academia- Franz Kafka,  que Federico Herrero puso en escena en al Teatro Escuela Central y en el Teatro Latino de San Telmo.

Es de citar que la puesta en escena de Federico Herrero, obtuvo elogios de la prensa especializada y patricipó en festivales en el orden local e internacional.

La fuerza de su obra ha sido tan importante que el término kafkiano se aplica a situaciones sociales angustiosas o grotescas, o a su tratamiento en la literatura

Los  escritos de Franz Kafka , constituyen una de las cumbres de la literatura alemana y se cuenta entre las más influyentes e innovadoras del siglo XX. 

El argumento de: -Informe para una academia-, es simple y a la vez multifacético, um momo-hombre es encontrado en la selva y luego de su captura, puesto a  servicio de la ciencia, para su educación y en la obra está presente el momento que el hombre mono informa miembros de la academia sus mejoras y cambios, y su -adaptación- a un mundo ideal, desde el punto de vista de los académicos. 

En cuanto a técnica literaria, Nicolás Francisco Herrero, opina: su obra señalan que ésta participa en la obra citada de las características del expresionismo y el surrealismo, el estilo lúcido e irónico de Kafka, que mezcla naturalidad, fantasía y realidad, da a su obra un aire de claustrofobia y fantasmal.

La producción kafkiana estuvo prohibida durante la Checoslovaquia socialista, al ser considerado un autor reaccionario, por lo que sus estudiosos fueron acosados por la policía política del régimen.

Nació el 3 de julio de 1883 en Praga, y falleció el 3 de junio de 1924. 

Se destacan entre sus obras obras, las tres novelas: -El proceso- (1925), -El castillo- (1926), y -América- (1927). 

Federico Herrero en sus apuntes de la puesta en escena de : -Informe para una academia-, aclara que se divide en tres capítulos: la transformación, la aceptación, y la angustia del protagonista. 

Muchas son las interpretaciones posibles para -Informe de una academia-, Federico Herrero en su puesta en escena opta por destacar el siguiente concepto: -la indiferencia por parte de la sociedad con la que se trata a los individuos diferentes, el aislamiento que se les hace empujándolos en algunos casos a la soledad-.
Federico Herrero en un instante de la investigación, instala lo siguiente: es como una autobiografía del autor, el cual trata de plasmar en el cuento la soledad y el aislamiento que sintió en algún momento por su familia debido a su intenso trabajo.

Una obra interesante y muy fácil de entender, del cual uno queda atrapado desde el principio hasta el final.

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, dictaron una conferencia en el Teatro Escuela Central y en la universidad de ciencias sociales de la ciudad de Buenos Aires, tema: -Actuación y persona-. Algunas contenidos de la conferencia citada a continuación. Federico Herrero comienza la conferencia con un concepto determinante. Con el arte de la actuación el individuo mejora su nivel de actuación en la vida y con las mejoras de actuación en sus situaciones cotidianas el actor mejora su actuación en la ficción. Las reglas de actuación son el conocimiento que le permite a un actor responder a estímulos , y poder actuar de una determinada manera en una situación dada. En biología se define una regla de actuación como un -mecanismo estímulo-respuesta-. Es una relación que conecta a un estimulo con la correspondiente respuesta. En los sistemas expertos o en las bases de conocimiento, las reglas de actuación se denominan frecuentemente: producciones. En este caso están formadas por una parte que indica dónde y cuándo es aplicable dicha regla de actuación, y otra parte correspondiente que contiene la respuesta que la computadora debería dar en ese caso. Vemos, pues, que las reglas de actuación se utilizan tanto en los biológicos como en los artificiales. Durante su existencia, un ser continuamente realiza actuaciones. Se encuentra en una escena determinada y actúa. Para que tenga una chance de actuar mejor en el futuro, almacena estos conjuntos experimentadas de situación y respuestas en una estructura, guardándolos junto los resultados que ha observado en sus respuestas. Éstas son las reglas de actuación concretas. Los resultados de la acción son las emociones que se sienten como resultado de la respuesta. Son el resultado de datos recibidas por el cerebro de algunos receptores del cuerpo, y consisten de mensajes, como ser: dolor, hambre, cansancio, o la ausencia de todos estos. En los artificiales, en cambio, las emociones, que el cerebro recibe, pueden venir de dos fuentes. Pueden ser las señales de una persona que observa las respuestas o pueden ser señales calculadas a partir de la suma de variables corporales, como ser: falta de energía (combustible), el impacto de tropezar con un objeto, hasta puede tratarse de la percepción de un mal funcionamiento. La actuación, ya sean humanos, animales o artificiales, aprenden no solamente de sus propias experiencias, sino también de observar y copiar la acción de otros. Las reglas de actuación consisten principalmente en una situación formulada y en una respuesta. A parte de estas dos, muchas veces existen además aspectos complementarios. Los instintos constituyen un tema específico de las reglas de actuación y están presentes al comienzo de la existencia. En los humanos, ya están al nacer e incluyen acciones como agarrar y chupar, éstos son respuestas que el bebé necesita para sobrevivir, por lo menos en cierto período de la evolución. En los artificiales, la curiosidad y otras reglas generales de actuación, son a veces consideradas como beneficiosas y se las incorpora a la programación original del sistema.

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, dictaron una conferencia en el Teatro Escuela Central y en la universidad de ciencias sociales de la ciudad de Buenos Aires, tema: -Actuación y persona-.

Algunas contenidos de la conferencia citada a continuación. 

Federico Herrero comienza la conferencia con un concepto determinante.
Con el arte de la actuación el individuo mejora su nivel de actuación en la vida y con las mejoras de actuación en sus situaciones cotidianas el actor mejora su actuación en la ficción.

Las reglas de actuación son el conocimiento que le permite a un actor responder a estímulos , y poder actuar de una determinada manera en una situación dada.

En biología se define una regla de actuación como un -mecanismo estímulo-respuesta-. Es una relación que conecta a un estimulo con la correspondiente respuesta. 
En los sistemas expertos o en las bases de conocimiento, las reglas de actuación se denominan frecuentemente: producciones. 
En este caso están formadas por una parte que indica dónde y cuándo es aplicable dicha regla de actuación, y otra parte correspondiente que contiene la respuesta que la computadora debería dar en ese caso. 
Vemos, pues, que las reglas de actuación se utilizan tanto en los biológicos como en los artificiales.

Durante su existencia, un ser continuamente realiza actuaciones.
Se encuentra en una escena determinada y actúa. 

Para que tenga una chance de actuar mejor en el futuro, almacena estos conjuntos experimentadas de situación y respuestas en una estructura, guardándolos junto los resultados que ha observado en sus respuestas. 

Éstas son las reglas de actuación concretas.

Los resultados de la acción son las emociones que se sienten como resultado de la respuesta. 
Son el resultado de datos recibidas por el cerebro de algunos receptores del cuerpo, y consisten de mensajes, como ser: dolor, hambre, cansancio, o la ausencia de todos estos. 

En los artificiales, en cambio, las emociones, que el cerebro recibe, pueden venir de dos fuentes. 
Pueden ser las señales de una persona que observa las respuestas o pueden ser señales calculadas a partir de la suma de variables corporales, como ser: falta de energía (combustible), el impacto de tropezar con un objeto, hasta puede tratarse de la percepción de un mal funcionamiento.

La actuación, ya sean humanos, animales o artificiales, aprenden no solamente de sus propias experiencias, sino también de observar y copiar la acción de otros.

Las reglas de actuación consisten principalmente en una situación formulada y en una respuesta. 
A parte de estas dos, muchas veces existen además aspectos complementarios. 

Los instintos constituyen un tema específico de las reglas de actuación y están presentes al comienzo de la existencia. 

En los humanos, ya están al nacer e incluyen acciones como agarrar y chupar, éstos son respuestas que el bebé necesita para sobrevivir, por lo menos en cierto período de la evolución. En los artificiales, la curiosidad y otras reglas generales de actuación, son a veces consideradas como beneficiosas y se las incorpora a la programación original del sistema.

"PSICOIMPAC" TEATRO SINGULAR Teatro Escuela Central Teléfono 15-58235865 "PSICOIMPACT" Auspicio instituto internacional del teatro UNA OBRA DE NICOLÁS FRANCISCO HERRERO "PSICOIMPACT" AUTOR Y DIRECTOR Nicolás Francisco Herrero La obra tiene una duración de 1 hora y minutos Producción de la obra Teatro Escuela Central. "Psicoimpact" Obra con situaciones dramáticas y con algo de humor. La obra "Psicoimpact", se presentó en festivales de teatro y en espacios no convencionales, y en las distintas funciones provocó elogios de los espectadores presentes y de analistas especializados en el tema. La obra de Nicolás Francisco Herrero, quién ademas de autor, es el encargado de la dirección de la obra, compartiendo la dirección de la misma y la puesta en escena con el emblemático director de teatro Federico Herrero. La obra tiene una duración de una hora y minutos, la acción de la historia propuesta por el autor, está situada en una zona extraña del tiempo, en una dimensión desconocida, y en este espacio ocurre un feroz enfrentamiento entre dos personajes, tal vez pasado y futuro, es a partir de este enfrentamiento que se provocan múltiples emociones en el espectador, un humor ácido recorre la trama. El autor instala en el espectador una pregunta, entre otras, si se tuviera la posibilidad de repetir la vida, sería lo mismo, las mismas elecciones, sucesos similares o las experiencias nos sirven para mejorarla.

"PSICOIMPAC" TEATRO SINGULAR Teatro Escuela Central
Teléfono 15-58235865
"PSICOIMPACT"
Auspicio instituto internacional del teatro
UNA OBRA DE NICOLÁS FRANCISCO HERRERO
"PSICOIMPACT"
AUTOR Y DIRECTOR
Nicolás Francisco Herrero

La obra tiene una duración de 1 hora y minutos
Producción de la obra Teatro Escuela Central.
"Psicoimpact"
Obra con situaciones dramáticas y con algo de humor.
La obra "Psicoimpact", se presentó en festivales de teatro y en espacios no convencionales, y en las distintas funciones provocó elogios de los espectadores presentes y de analistas especializados en el tema.
La obra de Nicolás Francisco Herrero, quién ademas de autor, es el encargado de la dirección de la obra, compartiendo la dirección de la misma y la puesta en escena con el emblemático director de teatro Federico Herrero.
La obra tiene una duración de una hora y minutos, la acción de la historia propuesta por el autor, está situada en una zona extraña del tiempo, en una dimensión desconocida, y en este espacio ocurre un feroz enfrentamiento entre dos personajes, tal vez pasado y futuro, es a partir de este enfrentamiento que se provocan múltiples emociones en el espectador, un humor ácido recorre la trama.
El autor instala en el espectador una pregunta, entre otras, si se tuviera la posibilidad de repetir la vida, sería lo mismo, las mismas elecciones, sucesos similares o las experiencias nos sirven para mejorarla.