Nicolás Francisco Herrero, obtuvo el primer premio en el Festival Internacional de teatro de Lovaina por su obra -Psicoimpact- La obra tiene una duración de 1 hora y minutos Producción de la obra Teatro Escuela Central. "Psicoimpact" Obra con situaciones dramáticas y con algo de humor. La obra "Psicoimpact", se presentó en festivales de teatro y en espacios no convencionales, y en las distintas funciones provocó elogios de los espectadores presentes y de analistas especializados en el tema. La obra de Nicolás Francisco Herrero, quién ademas de autor, es el encargado de la dirección de la obra, compartiendo la dirección de la misma y la puesta en escena con el emblemático director de teatro Federico Herrero. La obra tiene una duración de una hora y minutos, la acción de la historia propuesta por el autor, está situada en una zona extraña del tiempo, en una dimensión desconocida, y en este espacio ocurre un feroz enfrentamiento entre dos personajes, tal vez pasado y futuro, es a partir de este enfrentamiento que se provocan múltiples emociones en el espectador, un humor ácido recorre la trama. El autor instala en el espectador una pregunta, entre otras, si se tuviera la posibilidad de repetir la vida, sería lo mismo, las mismas elecciones, sucesos similares o las experiencias nos sirven para mejorarla. La ciudad en la obra de Nicolás Francisco Herrero se convierte en el centro de un nuevo mundo que es necesario explorar, un mundo dual, marcado por el día y la noche. Entre un espacio de ensoñaciones y de vida, entre el quienes tienen el derecho de vivir y los excluidos, el espacio de los marginales, la periferia, donde la vida ocurre con sus crueldades, con sus nocturnos actores, es el centro de su obra, metáfora la periferia es la noche y la vida, la oscuridad de la noche nos deja un espacio recortado de visión, todo puede ser confundido, la oscuridad sirve para ocultar, pero las luces de neon nos alumbran el camino a otros sujetos. Sobre ella se depositan los cuerpos excluidos, Nicolás Francisco Herrero es parte de esa periferia, un Baudeliere de la transición entre "lo moderno" y lo "post-moderno".

Nicolás Francisco Herrero, obtuvo el primer premio en el Festival Internacional de teatro de Lovaina por su obra 
-Psicoimpact-

La obra tiene una duración de 1 hora y minutos
Producción de la obra Teatro Escuela Central.
"Psicoimpact"
Obra con situaciones dramáticas y con algo de humor.
La obra "Psicoimpact", se presentó en festivales de teatro y en espacios no convencionales, y en las distintas funciones provocó elogios de los espectadores presentes y de analistas especializados en el tema.
La obra de Nicolás Francisco Herrero, quién ademas de autor, es el encargado de la dirección de la obra, compartiendo la dirección de la misma y la puesta en escena con el emblemático director de teatro Federico Herrero.
La obra tiene una duración de una hora y minutos, la acción de la historia propuesta por el autor, está situada en una zona extraña del tiempo, en una dimensión desconocida, y en este espacio ocurre un feroz enfrentamiento entre dos personajes, tal vez pasado y futuro, es a partir de este enfrentamiento que se provocan múltiples emociones en el espectador, un humor ácido recorre la trama.
El autor instala en el espectador una pregunta, entre otras, si se tuviera la posibilidad de repetir la vida, sería lo mismo, las mismas elecciones, sucesos similares o las experiencias nos sirven para mejorarla.
La ciudad en la obra de Nicolás Francisco Herrero se convierte en el centro de un nuevo mundo que es necesario explorar, un mundo dual, marcado por el día y la noche.

Entre un espacio de ensoñaciones y de vida, entre el quienes tienen el derecho de vivir y los excluidos, el espacio de los marginales, la periferia, donde la vida ocurre con sus crueldades, con sus nocturnos actores, es el centro de su obra, metáfora la periferia es la noche y la vida, la oscuridad de la noche nos deja un espacio recortado de visión, todo puede ser confundido, la oscuridad sirve para ocultar, pero las luces de neon nos alumbran el camino a otros sujetos. 

Sobre ella se depositan los cuerpos excluidos, Nicolás Francisco Herrero es parte de esa periferia, un Baudeliere de la transición entre "lo moderno" y lo "post-moderno".

-Actuación y éxito- conferencia dictada por los especialistas en artes y ciencias del actor: Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, en el Teatro Escuela Central. Federico Herrero comienza la conferencia con el siguiente concepto; en la vida es importante estudiar y estudiar...el resto es consecuencia, de todas formas intentarlo ya es parte del éxito. He conocido actores que durante años no la pasaron bien, pero en algún instante el camino le dio sorpresas. Es el éxito fama o dominar una profesión, un arte, creo que si un artista domina su arte tarde o tempano va a trascender. El éxito en el arte de la actuación. Todo esto se trata de algo más, y no solo es saber cómo actuar y representar un personaje-es un poco complicado tratar de complacer al publico y hacer que la gente aprecie la actuación como un arte magnifico. De todas formas algunas sugerencias. Este es uno de los conceptos más difíciles acerca de la actuación, pero una vez que es dominado, puedes efectivamente aplicarlo, y atraer el excito como actor o actriz. Pero antes de que empieces a asumir este concepto, toma en nota las siguientes consideraciones que son obstáculos comunes o trampas en una carrera de actuación, que hacen que muchos renuncien a la actuación. Aquí está una lista común para los actores; -Si eres nuevo al mundo del espectáculo y no sabes a dónde ir para ayuda profesional, trata de buscar por empresas de casting con buenas reputaciones. Aquí te podrán ofrecer ayuda experta, y te harán una evaluación de tu capacidad de actuación y otros talentos, este es un buen lugar por donde empezar. - Aprovecha al máximo las llamadas de audición y casting, ya que aquí es donde puedes ser capaz de encontrar trabajo y conocer a personas que te ayuden avanzar en la carrera. - A veces es útil trabajar por tu cuenta propia. Sin embargo, un agente te puede conseguir más oportunidades para audiciones y proyectos de alta calidad. Toma en cuenta de que los agentes son los primeros en saber de las audiciones disponibles para el cine, teatro o televisión. - Eligiendo a un buen director de casting o agente te puede ser de muy buena ayuda, especialmente para los actores aficionados que todavía no tienen mucha idea acerca de cómo obtener un buen papel actoral. A diferencia de cuando se trabaja por cuenta propia, cuando un actor decide un papel fácilmente disponible, que tal vez no sea el mejor. Pero si empleas a un agente para que te represente, los productores contactan a los agentes para buscar el talento adecuado para sus proyectos. Teniendo una conexión con un agente te puede servir mucho!. - Siempre existe el riesgo de dedicarle demasiado tiempo. Trata de encontrar el equilibrio entre el trabajo y la carrera de actuación, sobre todo cuando hay varias cosas en tu vida que requieren tu atención. - Asegura te de siempre guardar tu palabra y mantener siempre una actitud digna y profesional. No importa si eres artista o no, todavía tienes que mantener un ambiente profesional en todas partes que vayas. - Asegura te siempre de estar preparado con los materiales que necesitas para promocionarte, como demos, currículum, fotografías. - Mantente siempre actualizado y unete a talleres de actuación o programas avanzados de actuación o proyectos que te ayudarán a mejorar tus habilidades actorales. Esto te prepara, para mejorar tus posibilidades de conseguir trabajo en el futuro. - Haz el propósito de siempre poner tu mejor pie adelante y siempre asegura te de que estés dispuesto a adquirir una variedad de papeles y personajes, esto es una buena muestra de tu versatilidad y personalidad dinámica. Esta es una calidad que debes desarrollar. - En una carrera de actuación, siempre debes estar muy preparado para todo, incluyendo las criticas. Debes estar preparado para asumir el escepticismo de otras personas, pero toma lo como una crítica constructiva en lugar de un giro decepcionante. - Siempre enfoca te en las cosas que podrán elevar tu carrera profesional como actor o actriz.

-Actuación y éxito- conferencia dictada por los especialistas en artes y ciencias del actor: Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, en el Teatro Escuela Central.

Federico Herrero comienza la conferencia con el siguiente concepto; en la vida es importante estudiar y estudiar...el resto es consecuencia, de todas formas intentarlo ya es parte del éxito.

He conocido actores que durante años no la pasaron bien, pero en algún instante el camino le dio  sorpresas.

Es el éxito fama o dominar una profesión, un arte, creo que si un artista domina su arte tarde o tempano va a trascender.

El éxito en el arte de la actuación.

Todo esto se trata de algo más, y no solo es saber cómo actuar y representar un personaje-es un poco complicado tratar de complacer al publico y hacer que la gente aprecie la actuación como un arte magnifico.

De todas formas algunas sugerencias.

Este es uno de los conceptos más difíciles acerca de la actuación, pero una vez que es dominado, puedes efectivamente aplicarlo, y atraer el excito como actor o actriz.

Pero antes de que empieces a asumir este concepto, toma en nota las siguientes consideraciones que son obstáculos comunes o trampas en una carrera de actuación, que hacen que muchos renuncien a la actuación.

Aquí está una lista común para los actores;

-Si eres nuevo al mundo del espectáculo y no sabes a dónde ir para ayuda profesional, trata de buscar por empresas de casting con buenas reputaciones.

Aquí te podrán ofrecer ayuda experta, y te harán una evaluación de tu capacidad de actuación y otros talentos, este es un buen lugar por donde empezar.

- Aprovecha al máximo las llamadas de audición y casting, ya que aquí es donde puedes ser capaz de encontrar trabajo y conocer a personas que te ayuden avanzar en la carrera. 

- A veces es útil trabajar por tu cuenta propia. Sin embargo, un agente te puede conseguir más oportunidades para audiciones y proyectos de alta calidad. Toma en cuenta de que los agentes son los primeros en saber de las audiciones disponibles para el cine, teatro o televisión. 

- Eligiendo a un buen director de casting o agente te puede ser de muy buena ayuda, especialmente para los actores aficionados que todavía no tienen mucha idea acerca de cómo obtener un buen papel actoral. 

A diferencia de cuando se trabaja por cuenta propia, cuando un actor decide un papel fácilmente disponible, que tal vez no sea el mejor. 

Pero si empleas a un agente para que te represente, los productores contactan a los agentes para buscar el talento adecuado para sus proyectos. Teniendo una conexión con un agente te puede servir mucho!.

- Siempre existe el riesgo de dedicarle demasiado tiempo. Trata de encontrar el equilibrio entre el trabajo y la carrera de actuación, sobre todo cuando hay varias cosas en tu vida que requieren tu atención. 

- Asegura te de siempre guardar tu palabra y mantener siempre una actitud digna y profesional. No importa si eres artista o no, todavía tienes que mantener un ambiente profesional en todas partes que vayas.

- Asegura te siempre de estar preparado con los materiales que necesitas para promocionarte, como demos, currículum, fotografías.

- Mantente siempre actualizado y unete a talleres de actuación o programas avanzados de actuación o proyectos que te ayudarán a mejorar tus habilidades actorales. 

Esto te prepara, para mejorar tus posibilidades de conseguir trabajo en el futuro.

- Haz el propósito de siempre poner tu mejor pie adelante y siempre asegura te de que estés dispuesto a adquirir una variedad de papeles y personajes, esto es una buena muestra de tu versatilidad y personalidad dinámica. 

Esta es una calidad que debes desarrollar. 

- En una carrera de actuación, siempre debes estar muy preparado para todo, incluyendo las criticas. 

Debes estar preparado para asumir el escepticismo de otras personas, pero toma lo como una crítica constructiva en lugar de un giro decepcionante. 

- Siempre enfoca te en las cosas que podrán elevar tu carrera profesional como actor o actriz.

-Anclas de tensión-, es un concepto de los especialistas en artes y ciencias del actor: Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero. El tema de la tensión ha sido una preocupación en todos los tiempos en lo que hace al arte de la actuación, Federico Herrero establece dos estadios: tensión y ser humano y tensión en la actuación. En el caso de la actuación el actor debe manejar la relajación activa o sea las anclas de tensión. Anclas de tensión, los directores la definen como actitudes corporales del actor y personaje que cumplen la función de un pararrayos, o sea el actor vincula la tensión en los espacios que trabaja. De todas formas previo a profundizar en este concepto, algunas sugerencias de relajación para el ser humano no actor. Los directores de teatro en conferencia dictada en el Teatro Escuela Central,-Actuación y cuerpo-, se refieren a este tema. A continuación algunos conceptos de la conferencia citada. A continuación los directores describen la técnica más adecuada para eliminar cualquier tipo de dolor o tensión muscular y no volver a sufrirla de nuevo. La tensión y la relajación son estados del organismo que corresponden al sistema nervioso autónomo. Por el contrario, cuando nos encontramos en estado de relajación es cuando el sistema parasimpático se encuentra activo y baja la frecuencia cardíaca, la respiración se hace más lenta, la tensión muscular disminuye y hasta se puede tener la sensación de pesadez muscular. En nuestro cuerpo solo puede estar activo uno de los dos sistemas a la vez, es decir, que si estas relajado no puedes estar tenso a la vez. Importancia de la respiración para conseguir estados de relajación La necesidad de un descanso adecuado, especialmente después de una actividad física o mental, es imprescindible para recuperar la energía consumida. Por el contrario, un descanso escaso o inadecuado puede traer como consecuencia alteraciones en el estado de ánimo, agotamiento físico, confusión mental. La respiración es un instrumento fundamental e imprescindible para que nuestro organismo consiga un estado de relajación adecuado, tanto desde el punto de vista físico (muscular), como desde el punto de vista mental (emocional). Existe un vínculo bidireccional entre las emociones y el estado de los músculos. Un músculo relajado envía información sobre su estado a la mente (cerebro), a la vez que ésta se beneficia de este estado y puede influir a su vez para que el músculo se relaje. Es imposible relajarse mentalmente si no lo hacen también los músculos, así como también es imposible relajarse muscularmente si no logramos una relajación mental. ¿Qué aspectos hay que tener en cuenta para conseguir una buena relajación? Antes de comenzar una sesión de relajación hay que tener en cuenta varios aspectos: El lugar ha de ser tranquilo. Hay que prever que no suene el teléfono, no nos abran la puerta de la habitación de forma repentina. Lo ideal es hacer los ejercicios sobre una superficie dura, como un aislante sobre el suelo, por ejemplo, pero puede hacerse también sobre la cama. La postura más adecuada es tumbado sobre la espalda, los brazos extendidos a lo largo del cuerpo y las piernas ligeramente separadas con los pies caídos hacia los lados. El cuerpo ha de quedar lo más horizontal posible, nuca y cuello bien extendidos y rectos. La boca cerrada, pero es muy importante que no se presionen los dientes, que la mandíbula esté relajada. Los ojos, conviene mantenerlos cerrados. La temperatura de la habitación debe ser adecuada. Resultaría muy difícil relajarse en sitios con mucho aire acondicionado o, por el contrario, donde haga un excesivo calor. La luz ha de ser suave, creando un ambiente de tranquilidad. Conviene establecer un horario fijo con el fin de que tanto el cuerpo como la mente se habitúen a esa situación y se facilite así la relajación. La ropa debe ser cómoda, holgada, sin presiones en cintura, pecho. El tiempo que ha de practicar se la relajación puede ser de aproximadamente 15 minutos al principio, pudiéndose aumentar posteriormente con la práctica. Si por alguna circunstancia tiene lugar una interrupción durante la sesión, hay que procurar no levantarse y salir corriendo de una forma brusca, pues esto tendría un efecto pésimo sobre el proceso de relajación. Conviene antes, realizar tres respiraciones profundas, después abrir los ojos, estirar todos los músculos (como desperezarse) y, finalmente, levantarse. Así es como hay que finalizar siempre cada sesión. ¿En qué consiste la respiración y cual es la función que ejerce sobre nuestro organismo? La respiración es un proceso mecánico que se produce por la contracción rítmica de los músculos respiratorios, originando aumentos y disminuciones de la cavidad torácica. Consiste en primer lugar, en la entrada de aire a través de los conductos respiratorios desde la atmósfera hacia el pulmón (inspiración), que es donde se produce la verdadera función del aparato respiratorio, es decir el intercambio de gases entre la sangre y el aire. Posteriormente, la sangre cargada de oxígeno llega a los diferentes órganos, produciéndose a continuación el transporte de dióxido de carbono por la sangre, desde los tejidos hasta el pulmón, desde donde el aire es expulsado fuera de los pulmones (espiración) hacia el exterior. A este proceso que se produce una vez tras otra se le denomina ventilación pulmonar. La ventilación pulmonar va a depender entre otras cosas de la concentración de gases en el aire, de la cantidad de hemoglobina (sustancia o que se encarga de fijar el oxígeno al hematíe o glóbulo rojo – células rojas de la sangre), de la frecuencia cardíaca. En reposo, por ejemplo, la respiración normal tiene un ritmo en el que la inspiración y la espiración son similares en duración, de tal forma que la función respiratoria se reduce al mínimo, ya que son mínimas las necesidades de oxígeno en ese momento, mientras que durante, por ejemplo, un esfuerzo físico, las necesidades de oxígeno de los músculos aumentan, y también la necesidad de eliminar el dióxido de carbono o anhídrido carbónico, formado en mayor cantidad por el esfuerzo. En estas situaciones de ejercicio, se produce un aumento de la frecuencia respiratoria, de la misma manera que se produce también ante determinadas situaciones de alta activación o inquietud. Por lo tanto, la misión principal de la respiración, es asegurar a los tejidos el aporte suficiente de oxígeno y la eliminación del dióxido de carbono, y ello es posible gracias por un lado, a la acción del aparato respiratorio, que proporciona el oxígeno necesario a las células del organismo y la eliminación del dióxido de carbono producido por los tejidos, y por otro lado, del aparato cardiovascular, que sirve de medio de transporte para estas sustancias con la ayuda de los glóbulos rojos de la sangre. No hay que olvidar que el sistema respiratorio y cardiovascular, son sistemas intrínsecamente relacionados. La respiración puede considerarse una de las funciones más importantes del organismo, ya que es esencial para la vida. ¿Qué pasos hay que seguir para auto aplicarnos una técnica de relajación? La respiración ha de ser en todo momento abdominal o diafragmática (aquella en la que movemos el abdomen principalmente), con el fin de que pase a los pulmones la mayor cantidad de oxígeno posible. Para saber que está realizando una respiración abdominal correcta puede seguir las siguientes indicaciones: Coloque una mano en el abdomen y note cómo con cada inspiración (introducción de aire a los pulmones), éste se eleva y desciende con cada espiración (expulsión de aire hacia el exterior). Presione suavemente el abdomen para hacer que el aire pase hacia el pecho y los pulmones. Retenga el aire 2 o 3 segundos. Expulse el aire por la boca, suave y lentamente. Compruebe que lo primero que se contrae es el abdomen. Después notará cómo el aire va saliendo desde los pulmones hacia la boca, a la vez que todos los músculos del tórax se van relajando y se emite un ligero y suave soplido mientras se expulsa el aire. Los pasos que habría que seguir para aplicarse una técnica de relajación serían los siguientes: Todas las sesiones han de empezarse con tres respiraciones lentas y abdominales, tal y como se ha explicado. Hay que procurar que la respiración sea algo más lenta de lo habitual, así como que la espiración sea más lenta que la inspiración. La espiración conviene que tenga una duración aproximada del doble a la inspiración.Relajación de cara, cuello y hombros con el orden siguiente (repetir cada ejercicio tres veces con intervalos de descanso de unos segundos): Frente: Arrugar, ejerciendo tensión sobre el puente de la nariz y alrededor de las cejas. Ojos: Abrir y cerrar. Notar la tensión en los párpados y en el exterior de los ojos. Nariz: Arrugar, ejerciendo tensión en el puente y los orificios. Boca: Sonreír ampliamente. Notará la tensión en los labios superior e inferior y en ambas mejillas. Lengua: Presionar la lengua contra el paladar. Mandíbula: Presionar los dientes notando la tensión en los músculos laterales de la cara y en las sienes. Labios: Arrugar como para dar un beso. Cuello y nuca: Hacer movimientos del cuello SI-NO y derecha-izquierda. Hombros y cuello: Elevar los hombros presionando contra el cuello. Relajación de brazos y manos con la siguiente progresión: Contraer, sin mover, primero un brazo y luego el otro con el puño apretado, notando la tensión en brazos, antebrazos y manos. Relajación de piernas: Estirar primero una pierna y después la otra levantando el pie hacia arriba y notando la tensión en piernas: trasero, muslo, rodilla, pantorrilla y pie. Relajación de tórax, abdomen y región lumbar (estos ejercicios se hacen mejor sentado sobre una silla): Espalda: Levantar brazos hasta formar ángulo recto con antebrazo y llevar codos hacia atrás. Notará la tensión en la parte inferior de la espalda y los hombros. Tórax: Inspirar y retener el aire durante unos segundos en los pulmones. Observar la tensión en el pecho. Espirar lentamente. Estómago: Tensar estómago hasta notar dicha tensión en ombligo y alrededores. Cintura: Tensar nalgas y muslos. El trasero se eleva de la silla. Relajación rápida y completa: Consiste en tensar y relajar todos los músculos a la vez. Se puede hacer tumbado o de pie. Requiere una cierta experiencia, pero una vez adquirido se puede conseguir un correcto estado de relajación en tan sólo unos minutos. El último paso después de cada sesión de relajación, es realizar tres o cuatro respiraciones profundas. Antes de dar por finalizada la sesión, conviene dedicar unos minutos para observar nuestra respiración, hasta conseguir que sea constante y regular. Cuando estamos muy bien entrenados en esta técnica de relajación, lo que se consigue realizándola muchas veces, es posible practicar únicamente la parte de la relajación rápida y completa y las respiraciones profundas posteriores, consiguiendo así excelentes resultados.

-Anclas de tensión-, es un concepto de los especialistas en artes y ciencias del actor:  Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero.
 El tema de la tensión ha sido una preocupación en todos los tiempos en lo que hace al arte de la actuación, Federico Herrero establece dos estadios: tensión y ser humano y tensión en la actuación.

En el caso de la actuación el actor debe manejar la relajación activa o sea las anclas de tensión.

Anclas de tensión, los directores la definen como actitudes corporales del actor y personaje que cumplen la función de un pararrayos, o sea el actor vincula la tensión en los espacios que trabaja.

De todas formas previo a profundizar en este concepto, algunas  sugerencias de relajación para el ser humano no actor.

Los directores de teatro en conferencia dictada en el Teatro Escuela Central,-Actuación y cuerpo-, se refieren a este tema.

A continuación algunos conceptos de la conferencia citada.

A continuación los directores describen  la técnica más adecuada para eliminar cualquier tipo de dolor o tensión muscular y no volver a sufrirla de nuevo.

La tensión y la relajación son estados del organismo que corresponden al sistema nervioso autónomo. 

Por el contrario, cuando nos encontramos en estado de relajación es cuando el sistema parasimpático se encuentra activo y baja la frecuencia cardíaca, la respiración se hace más lenta, la tensión muscular disminuye y hasta se puede tener la sensación de pesadez muscular.

En nuestro cuerpo solo puede estar activo uno de los dos sistemas a la vez, es decir, que si estas relajado no puedes estar tenso a la vez.

Importancia de la respiración para conseguir estados de relajación

La necesidad de un descanso adecuado, especialmente después de una actividad física o mental, es imprescindible para recuperar la energía consumida. 

Por el contrario, un descanso escaso o inadecuado puede traer como consecuencia alteraciones en el estado de ánimo, agotamiento físico, confusión mental.

La respiración es un instrumento fundamental e imprescindible para que nuestro organismo consiga un estado de relajación adecuado, tanto desde el punto de vista físico (muscular), como desde el punto de vista mental (emocional). 

Existe un vínculo bidireccional entre las emociones y el estado de los músculos. Un músculo relajado envía información sobre su estado a la mente (cerebro), a la vez que ésta se beneficia de este estado y puede influir a su vez para que el músculo se relaje. 

Es imposible relajarse mentalmente si no lo hacen también los músculos, así como también es imposible relajarse muscularmente si no logramos una relajación mental.

¿Qué aspectos hay que tener en cuenta para conseguir una buena relajación?

Antes de comenzar una sesión de relajación hay que tener en cuenta varios aspectos:

El lugar ha de ser tranquilo. Hay que prever que no suene el teléfono, no nos abran la puerta de la habitación de forma repentina.

Lo ideal es hacer los ejercicios sobre una superficie dura, como un aislante sobre el suelo, por ejemplo, pero puede hacerse también sobre la cama.

La postura más adecuada es tumbado sobre la espalda, los brazos extendidos a lo largo del cuerpo y las piernas ligeramente separadas con los pies caídos hacia los lados. El cuerpo ha de quedar lo más horizontal posible, nuca y cuello bien extendidos y rectos. 

La boca cerrada, pero es muy importante que no se presionen los dientes, que la mandíbula esté relajada. 

Los ojos, conviene mantenerlos cerrados.

La temperatura de la habitación debe ser adecuada. 

Resultaría muy difícil relajarse en sitios con mucho aire acondicionado o, por el contrario, donde haga un excesivo calor.

La luz ha de ser suave, creando un ambiente de tranquilidad.

Conviene establecer un horario fijo con el fin de que tanto el cuerpo como la mente se habitúen a esa situación y se facilite así la relajación.

La ropa debe ser cómoda, holgada, sin presiones en cintura, pecho.

El tiempo que ha de practicar se la relajación puede ser de aproximadamente 15 minutos al principio, pudiéndose aumentar posteriormente con la práctica.

Si por alguna circunstancia tiene lugar una interrupción durante la sesión, hay que procurar no levantarse y salir corriendo de una forma brusca, pues esto tendría un efecto pésimo sobre el proceso de relajación. 

Conviene antes, realizar tres respiraciones profundas, después abrir los ojos, estirar todos los músculos (como desperezarse) y, finalmente, levantarse. Así es como hay que finalizar siempre cada sesión.

¿En qué consiste la respiración y cual es la función que ejerce sobre nuestro organismo?

La respiración es un proceso mecánico que se produce por la contracción rítmica de los músculos respiratorios, originando aumentos y disminuciones de la cavidad torácica. 

Consiste en primer lugar, en la entrada de aire a través de los conductos respiratorios desde la atmósfera hacia el pulmón (inspiración), que es donde se produce la verdadera función del aparato respiratorio, es decir el intercambio de gases entre la sangre y el aire. 

Posteriormente, la sangre cargada de oxígeno llega a los diferentes órganos, produciéndose a continuación el transporte de dióxido de carbono por la sangre, desde los tejidos hasta el pulmón, desde donde el aire es expulsado fuera de los pulmones (espiración) hacia el exterior. A este proceso que se produce una vez tras otra se le denomina ventilación pulmonar.

La ventilación pulmonar va a depender entre otras cosas de la concentración de gases en el aire, de la cantidad de hemoglobina (sustancia o que se encarga de fijar el oxígeno al hematíe o glóbulo rojo – células rojas de la sangre), de la frecuencia cardíaca. 

En reposo, por ejemplo, la respiración normal tiene un ritmo en el que la inspiración y la espiración son similares en duración, de tal forma que la función respiratoria se reduce al mínimo, ya que son mínimas las necesidades de oxígeno en ese momento, mientras que durante, por ejemplo, un esfuerzo físico, las necesidades de oxígeno de los músculos aumentan, y también la necesidad de eliminar el dióxido de carbono o anhídrido carbónico, formado en mayor cantidad por el esfuerzo. 

En estas situaciones de ejercicio, se produce un aumento de la frecuencia respiratoria, de la misma manera que se produce también ante determinadas situaciones de alta activación o inquietud.

Por lo tanto, la misión principal de la respiración, es asegurar a los tejidos el aporte suficiente de oxígeno y la eliminación del dióxido de carbono, y ello es posible gracias por un lado, a la acción del aparato respiratorio, que proporciona el oxígeno necesario a las células del organismo y la eliminación del dióxido de carbono producido por los tejidos, y por otro lado, del aparato cardiovascular, que sirve de medio de transporte para estas sustancias con la ayuda de los glóbulos rojos de la sangre. 

No hay que olvidar que el sistema respiratorio y cardiovascular, son sistemas intrínsecamente relacionados.

La respiración puede considerarse una de las funciones más importantes del organismo, ya que es esencial para la vida.

¿Qué pasos hay que seguir para auto aplicarnos una técnica de relajación?

La respiración ha de ser en todo momento abdominal o diafragmática (aquella en la que movemos el abdomen principalmente), con el fin de que pase a los pulmones la mayor cantidad de oxígeno posible.

Para saber que está realizando una respiración abdominal correcta puede seguir las siguientes indicaciones:

Coloque una mano en el abdomen y note cómo con cada inspiración (introducción de aire a los pulmones), éste se eleva y desciende con cada espiración (expulsión de aire hacia el exterior).

Presione suavemente el abdomen para hacer que el aire pase hacia el pecho y los pulmones.

Retenga el aire 2 o 3 segundos.

Expulse el aire por la boca, suave y lentamente. Compruebe que lo primero que se contrae es el abdomen. Después notará cómo el aire va saliendo desde los pulmones hacia la boca, a la vez que todos los músculos del tórax se van relajando y se emite un ligero y suave soplido mientras se expulsa el aire.

Los pasos que habría que seguir para aplicarse una técnica de relajación serían los siguientes:

Todas las sesiones han de empezarse con tres respiraciones lentas y abdominales, tal y como se ha explicado. Hay que procurar que la respiración sea algo más lenta de lo habitual, así como que la espiración sea más lenta que la inspiración. La espiración conviene que tenga una duración aproximada del doble a la inspiración.Relajación de cara, cuello y hombros con el orden siguiente (repetir cada ejercicio tres veces con intervalos de descanso de unos segundos):

Frente: Arrugar, ejerciendo tensión sobre el puente de la nariz y alrededor de las cejas.

Ojos: Abrir y cerrar. Notar la tensión en los párpados y en el exterior de los ojos.

Nariz: Arrugar, ejerciendo tensión en el puente y los orificios.

Boca: Sonreír ampliamente. Notará la tensión en los labios superior e inferior y en ambas mejillas.

Lengua: Presionar la lengua contra el paladar.

Mandíbula: Presionar los dientes notando la tensión en los músculos laterales de la cara y en las sienes.

Labios: Arrugar como para dar un beso.

Cuello y nuca: Hacer movimientos del cuello SI-NO y derecha-izquierda.

Hombros y cuello: Elevar los hombros presionando contra el cuello.

Relajación de brazos y manos con la siguiente progresión: Contraer, sin mover, primero un brazo y luego el otro con el puño apretado, notando la tensión en brazos, antebrazos y manos.

Relajación de piernas: Estirar primero una pierna y después la otra levantando el pie hacia arriba y notando la tensión en piernas: trasero, muslo, rodilla, pantorrilla y pie.

Relajación de tórax, abdomen y región lumbar (estos ejercicios se hacen mejor sentado sobre una silla):

Espalda: Levantar brazos hasta formar ángulo recto con antebrazo y llevar codos hacia atrás. Notará la tensión en la parte inferior de la espalda y los hombros.

Tórax: Inspirar y retener el aire durante unos segundos en los pulmones. Observar la tensión en el pecho. Espirar lentamente.

Estómago: Tensar estómago hasta notar dicha tensión en ombligo y alrededores.

Cintura: Tensar nalgas y muslos. El trasero se eleva de la silla.

Relajación rápida y completa: Consiste en tensar y relajar todos los músculos a la vez. Se puede hacer tumbado o de pie. Requiere una cierta experiencia, pero una vez adquirido se puede conseguir un correcto estado de relajación en tan sólo unos minutos.

El último paso después de cada sesión de relajación, es realizar tres o cuatro respiraciones profundas. Antes de dar por finalizada la sesión, conviene dedicar unos minutos para observar nuestra respiración, hasta conseguir que sea constante y regular.

Cuando estamos muy bien entrenados en esta técnica de relajación, lo que se consigue realizándola muchas veces, es posible practicar únicamente la parte de la relajación rápida y completa y las respiraciones profundas posteriores, consiguiendo así excelentes resultados.

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias de la actuación, dictaron en el Teatro Escuela Central, en el año 2013, una conferencia tema: -Persona y actuación-, a continuación conceptos contenidos en la misma. Según Federico Herrero, el desarrollo personal se puede lograr en parte por intermedio del arte de la actuación. El individuo al vivir situaciones diversas enriquecer sus alternativas de respuestas. Por otra parte el conocimiento de si mismo le dará la posibilidad de comportamientos imaginativos. El actuar es una experiencia de interacción individual y grupal, a través de la cual los sujetos que participan en ella desarrollan y optimizan habilidades y destrezas para la comunicación abierta y directa, las relaciones interpersonales y la toma de decisiones. Esto permite que el individuo conozca más, no sólo de sí mismo, sino también de sus compañeros de grupo con el objeto de crecer y ser más humano. La idea de realizar esta actividad es lograr que la persona sea un ser más completo e íntegro. Al alcanzar esta estabilidad emocional, entonces el individuo podrá mejorar su potencial, excelencia, responsabilidad, auto estima y creatividad en el escenario y en su vida. Esta experiencia contribuye e impulsa el crecimiento de la persona, en diferentes aspectos de su vida. A continuación Federico Herrero menciona algunos: Auto estima. Si la persona no cree en sí mismo y en sus capacidades, no podrá triunfar. El desarrollo personal promociona la auto estima. Auto excelencia. Con el desarrollo de este aspecto, la persona puede realizar un trabajo de calidad, demostrando al máximo su potencial. Auto eficiencia. El individuo hará uso de sus habilidades y actitudes, de la mejor forma posible. Su nivel de seguridad y confianza aumentará, y de esta forma pensará con visión de futuro.

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias de la actuación,  dictaron en el Teatro Escuela Central, en el año 2013, una conferencia tema: -Persona y actuación-, a continuación conceptos contenidos en la misma.

Según Federico Herrero, el desarrollo personal se puede lograr en parte por intermedio del arte de la actuación.

El individuo al vivir situaciones diversas enriquecer sus alternativas de respuestas.

Por otra parte el conocimiento de si mismo le dará la posibilidad de comportamientos imaginativos.

El actuar es una experiencia de interacción individual y grupal, a través de la cual los sujetos que participan en ella desarrollan y optimizan habilidades y destrezas para la comunicación abierta y directa, las relaciones interpersonales y la toma de decisiones. 

Esto permite que el individuo conozca más, no sólo de sí mismo, sino también de sus compañeros de grupo con el objeto de crecer y ser más humano.

La idea de realizar esta actividad es lograr que la persona sea un ser más completo e íntegro. 

Al alcanzar esta estabilidad emocional, entonces el individuo podrá mejorar su potencial, excelencia, responsabilidad, auto estima y creatividad en el escenario y en su vida.

Esta experiencia contribuye e impulsa el crecimiento de la persona, en diferentes aspectos de su vida. A continuación Federico Herrero menciona algunos:


Auto estima. Si la persona no cree en sí mismo y en sus capacidades, no podrá triunfar. El desarrollo personal promociona la auto estima.
Auto excelencia. Con el desarrollo de este aspecto, la persona puede realizar un trabajo de calidad, demostrando al máximo su potencial.
Auto eficiencia. El individuo hará uso de sus habilidades y actitudes, de la mejor forma posible. Su nivel de seguridad y confianza aumentará, y de esta forma pensará con visión de futuro.

FEDERICO HERRERO Y NICOLÁS FRANCISCO HERRERO, ESPECIALISTAS EN EL ARTE DEL ACTOR, ACTUACIÓN. informes 15-58-235865 En el año 2003 los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, publican un libro inolvidable: -Actuación-, a continuación algunos conceptos contenidos en el libro citado. Las técnicas del actor. Armado de una pasión por la expresión personal, de un punto de vista particular y de un objetivo concreto, el actor debe adquirir un dominio de su oficio, porque, de lo contrario, todo el talento y la buena voluntad no le servirán para nada. Existe una gran falta de conocimiento y mucha desinformación sobre la naturaleza de este oficio, más que sobre las otras artes. Se dice que la interpretación es un oficio meramente intuitivo y que no requiere técnica alguna. Has nacido para ser actor, a actuar no se aprende, a actuar no se enseña, son frases que nacen de la ignorancia y de los prejuicios que una vez más relegan al actor a la figura de niño tonto con talento. Ésta es la opinión de aquellos que creen que los trucos del oficio se aprenden actuando en público. De esta manera nuestro teatro sigue siendo un arte mediocre, lleno de gandules y de imitaciones de estilos de teatro prefabricado que sólo salvan algunos actores excepcionales, gracias a que, dejando aparte su talento, saben lo que es el respeto, entienden su oficio y trabajan para perfeccionarlo. Todavía tenemos que superar los aspectos negativos de nuestra herencia teatral norteamericana. Una de estas rémoras es creer que la única manera de aprender, al igual que se hacía en el pasado, es entrando a formar parte de un grupo de actores ambulantes, en una compañía fija o en una agencia teatral como aprendiz y representar papeles breves, en ocasiones asesorado o dirigido por el director o por los actores principales, o simplemente copiando el estilo. Evidentemente, los actores con un talento extraordinario lograron sobrevivir porque supieron desarrollar una manera intuitiva y muy personal de trabajar (a menudo incapaces de articular) y confiaron en la experiencia de actuar ante un público para crecer como artistas. Pero éstos fueron y siguen siendo una excepción. Cuando el público asiste a un ballet y observa las piruetas de los bailarines, los ascensos, la elasticidad, los veloces entrechats se quedan atónitos ante la maestría de este arte, y saben que lo que acaban de experimentar no habría sido posible si los artistas no hubieran pasado por años de práctica y formación. Cando el publico va a un concierto y observa como el violinista coloca su instrumento bajo el mentón, oprime las cuerdas con los dedos de una mano y arrastra el arco con la otra mientras toca una música maravillosa, sabe que es algo que nadie podría hacer igual de buenas a primeras. Y tampoco se fija en la técnica: se limita a escuchar la música y a disfrutar del ballet. Cando la técnica del actor destaca en primer plano, como ocurren con el teatro “eficaz” y artificial, de poses estudiadas, de recitación de palabras de modo mecánico, a menudo “tarareadas” por voces bien entrenadas, cuando se derraman lagrimas por el simple motivo de enseñar la capacidad que uno tiene de llorar en público en el momento justo, cuando la rimbombancia y el histrionismo se adueñan del ambiente, el público suele quedar impresionado porque sabe que nadie sería capaz de conseguir lo mismo. Federico Herrero dice...yo admiro a un actor cuando su técnica es tan perfecta que se hace invisible y consigue que la audiencia sienta la presencia de un ser humano vivo con el que pueden identificarse en sus manías y sus preocupaciones a medida que éstas se van descubriendo en la obra. Creo fervientemente que cuando el público reconoce una proeza y se da cuenta de cómo se ha hecho, significa que el actor ha fracaso. No ha sabido utilizar bien la técnica. Desgraciadamente, cuando triunfa, cuando su trabajo comunica y su poder como ser vivo ha traspasado y ha llegado a las butacas, es entonces cuando la mayor parte del público está convencido de que ellos también pueden hacerlo, dejando aparte el recurrente: “¿Cómo pueden aprenderse tanto texto?” Por lo demás, los espectadores se creen unos críticos experimentados y a menudo aleccionan a los actores con sus “esto se hace así”, “esto es hace asá”. A veces, el actor inseguro, aturdido, llega incluso a escucha y a tomar la dirección equivocada. El actor debe saber que, dado que es un instrumento, debe ponerse al servicio del personaje y utilizarlo con la misma destreza con la que el violinista hace música con su violín. El hecho de que el cuerpo de un actor no sea como un violín no significa que la técnica sea más fácil de adquirir. La curiosidad malsana de qué es lo que motiva a un actor a serlo, que se pone de manifiesto continuamente en los programas de entrevistas, al igual que en los interminables talleres abiertos, las frases superficiales que los actores contestan (a menudo acompañadas de anécdotas personales “graciosas”), no hacen más que agravar el problema. Ni el público, ni los presentadores de los programas, suelen mostrar interés en oír hablar sobre los ejercicios de dedos de un músico, de los pliés de una bailarina, de la paleta de un pintor ni de cómo éste aplica las capas de pintura a sus acuarelas. ¿Por qué deberían entonces interesarse en nuestra técnica? Es nuestro problema, no el de ellos. Así que a ti, actor, que de todo tu ser haces tú instrumento, ¡te explicaré en qué consiste la técnica que hace posible nuestra maravillosa profesión! Las técnicas externas En Europa, hasta hace poco, a muy pocos actores se les hubiera permitido subir a un escenario sin haber antes asistido a clases de expresión corporal, educación de la voz y dicción. Yo misma empecé en el teatro muy bien formada en las tres materias, y, a pesar de que no imparto clases de ninguna de las tres, os explicaré por qué les concedo tanta importancia y por qué me asusta la indiferencia que a menudos muestra nuestro teatro hacia ellas. Si tu objetivo es hacer carrera en la televisión y desempeñar papeles cercanos a tu persona, en los que tu andar desgarbado en tejanos y tu acento local no son traba alguna para el trabajo, y en los que el micrófono oculta sin problemas tu voz afónica, no tendrás que preocuparte ni siquiera por las técnicas más elementales. Pero si ambicionas algo más, por favor escucha mis consejos. Empezaras por reconocer que el cuerpo es la manifestación externa del actor, el instrumento más visible mediante el que se puede comunicar el pensamiento o sentimiento más sutil. Es un instrumento de comportamiento regio y porte olímpico aunque también susceptible de achaques, debilidades y cambios, según los requisitos del papel a interpretar. No tardaréis en ser conscientes de que os harán falta muchos años de tesón para perfeccionar la técnica de este instrumento. La danza moderna es uno de los medios idóneos para adquirir una colocación corporal correcta, una conciencia cinética y una flexibilidad física. La natación y la gimnasia son igualmente muy útiles para ello. Mediante el tenis y la esgrima, deportes que ponen a uno en forma, se trabaja la interacción y los reflejos que se requieren para responder al “dar y recibir” tan común en las escenas de teatro. El mismo ejercita la imaginación y la técnica de evocación de objetos y personajes que se hallan ausentes mientras se actúa desplegando toda clase de movimientos físicos. El movimiento escénico, que tanto se enseña en las clases, suele crear en los actores una gestualidad demasiado consciente y artificial que los lleva a buscar posturas previsibles y ensayadas, mientras que la danza, el deporte y el mimo exigen un cuerpo capaz de responder espontáneamente y casi por reflejo a los estímulos de los diferentes personajes sin interferir en las reacciones humanas del actor. La voz es un instrumento que hay que aprender a tocar. Hay que tratarlo como trataríamos a un Stradivarius, utilizando las técnicas del arco más elaboradas para no rascar las cuerdas. Un mal uso del instrumento conduce a la formación de nódulos, a la distensión de las cuerdas, que es la causante de las raspaduras y las afonías tan comunes en los actores mayores y, a veces, también en los más jóvenes. También provoca laringitis y puede obligar al actor a ausentarse de su trabajo. Otras muestras de un mal uso del instrumento son las voces gangosas, chillonas yo los vozarrones profundos y de registro muy limitado. Aunque Dios te haya provisto de una voz naturalmente bien colocada, debes entrenarla para mantener esa buena disposición y aprender a cuidarla mediante las técnica de respiración correctas a fin de poder ser escuchado en un gran teatro sin gritar, ni forzar o proyectar la voz de manera ansiosa. Actualmente, en la mayoría de espacios teatrales de Broadway se utilizan micrófonos, porque hay muy pocos actores que proyecten bien su voz. La intrusión de un objeto mecánico en la comunicación de un espectáculo en directo es un fenómeno muy triste, y es sólo un pretexto para culpar al publico de no escuchar, en parte porque está acostumbrado a los volúmenes habituales de la televisión. Tienes que estar provisto de in instrumento bien templado y que disponga de la suficiente flexibilidad para dar voz a una amplia variedad de personajes. Además ha de tener la suficiente potencia para ser oída en un teatro de dimisiones importantes. Tomar clases de canto es una buena manera de entrenarla. Las “clases de voz” pueden acarrear consecuencias similares a las que resultan de las clases de “movimiento escénico”, con las que se pretende sustituir a la danza. A través del canto aprenderás a entender el instrumento vocal y a ejercitarlo sin necesidad de tener que oírte hablar. No caerás en la tentación de emitir bellos sonidos sólo por gusto y sabrás poner tu voz al servicio del personaje sin desplegar extrañas estrategias ni mostrar tensión por estar demasiado pendiente de ti mismo. La dicción, esa facultad gloriosa de comunicación de la que solo el hombre disfruta, es el único instrumento del actor que le diferencia de los demás artistas de las artes escénicas. Dominar el acento estándar, que es bonito y elegante, y tatar de pronunciarlo sin afectaciones ni superficialidad es una de las obligaciones de todos y cada uno de los miembros que forman nuestra profesión. Las afectaciones son síntomas de pereza y de falta de disciplina y compromiso. Muy pocos llegan a conseguir hablar con naturalidad hasta el punto de integrar el instrumento en su cuerpo. Incluso los que han recibido dos o tres clases de dicción semanales durante las que aprendieron y practicaron las articulaciones apropiadas, caen en los vicios adquiridos en el momento en que abandonan el aula. Consecuentemente, nunca llegan a creer que son realmente ellos quienes están hablando bien. Se ven a sí mismos como unos estudiantes que “ponen” un acento. Y cuando aplican la nueva técnica aprendida a un papel determinado, se sienten “antinaturales” y el mismo personaje se aleja del discurso humano espontáneo. Todos los que realmente lo consiguen sabrán trasladarse a la época histórica que su discurso requiere y representar una infinita variedad de personajes con total credibilidad. El consejo que da Hamlet a los actores (“Di tu parlamento, por favor, como te lo he recitado, como brincando en la lengua”) no tiene mucho sentido si lo pronuncias con las típicas inflexiones neoyorquinas o de cualquier otro lugar. Estamos acostumbrados al tonillo cómico, al daño causado a la poesía de Christopher Fry y T. S. Eliot, a las diatribas de Shaw y a sus rimas cansinas, sus malas pronunciaciones y sus dejes. La solución no es poner acento británico, pues supondría situar a Chejov, Ibsen, Strindberg o a Moliere en el corazón de Inglaterra. El acento británico pertenece a nuestros colegas del otro lado del charco. Si un personaje en concreto o el contexto de la obra lo requieren, un acento puede aprenderse con una facilidad comparable ala que se necesita para aprender otros dialectos o acentos. (Cuando digo “facilidad comparable” es porque doy por hecho que el acento estándar ya se domina.) Y resulta muy fácil recuperar el acento original si el papel así lo requiere. A fin de que el actor asimile lo que ha aprendido en clase, debe estar dispuesto a llevarse consigo las lecciones a la calle, y repetir las frases y sonidos cada día de su vida hasta que la práctica se convierta en algo natural. Tendrá que mostrase muy valiente y luchar contra una sociedad que considera pecado no ser un “tío enrollado” o que cada palabra, sonido o movimiento que esté fuera de los cánones establecidos y conocidos por todos sea juzgado como signo de afectación o de deslealtad. El actor tendrá que fortalecerse contra las críticas de amigos y familiares cuando haga esfuerzos por hablar con propiedad y estos no dejen de decirle que “se le están subiendo los humos” o que su comportamiento “es muy teatral” o que lo ven muy “engreído”. Deberá practicar la dicción hasta que se acostumbre a ella, hasta que se oiga a sí mismo hablando con total naturalidad y pueda gozar de su nueva libertad verbal, de manera que la locución “to be or not to be” declamada y dicha de manera muy afectada, suene a sus oídos como una frase estrafalaria y no se vea obligado a pronunciarla de esta manera para transmitir credibilidad como actor. Se puede aplicar el mismo principio al trabajo corporal, cuando el actor practica la colocación del cuerpo o la fluidez de movimientos caminando por el estudio de danza, aunque, a la hora de salir del aula, se verá obligado a hacerlo con los hombros caídos, arrastrando los pies y enseñando la barriga para que nadie le tache de “peripuesto”. Hay otras maneras de practicar la dicción fuera del aula, por ejemplo, ejercitando la lectura a vista en tu propia casa media hora al día. Búscate un amigo que haga de oyente de vez en cuando para darte cuenta de la destreza con que puedes comunicar el contenido del texto. En tan sólo unos meses conseguirás grandes mejoras en tu articulación y pronunciación. Elige el material con esmero: lee novelas con un vocabulario elaborado o ensayos de Emerson y Thoreu. Lee poesía, los sonetos de Shakespeare. Si te enfrentas a leer teatro, lee en voz alta sólo las escenas de personajes que no te planteas representar en serio en el futuro. Lee los prólogos de las obra de Shaw. Te familiarizarás con las ideas y las expresiones idiomáticas del autor. Estos ejercicios tan útiles para la lectura a vista, la voz y la dicción, son preparaciones para el proceso orgánico posterior de asimilar el lenguaje de cada personaje. Si aplicas trucos vocales efectistas al lenguaje de un personaje, perjudicarás el trabajo de base que has aprendido. En otras palabras, no confundas estos ejercicios con lo que se conoce por interpretación. Estos ejercicios también estimularán tu gusto por las palabras, por un lenguaje refinado y mejorarán tu capacidad de hacer tuyo el lenguaje. Acabarás rechazando el “boludo” y el “nada” tan comunes como únicas locuciones para responder. En su lugar, utilizarás la infinita lista de adjetivos, verbos y nombres que puedes encontrar en cualquier diccionario. Te darás cuenta de la cansina tendencia de nuestra sociedad a decir: “¡¡De qué vas!!”, y en su lugar buscarás una expresión de desaprobación o de rechazo más apropiada. Por no hablar de los famosos “ahhhh” o “uau” que sustituyen a un auténtico suspiro ante la puesta de sol o ante un huracán, o de la utilización de improperios como único medio de expresar frustración o rabia. Lee en voz alta. Aprende a saborear literatura clásica y contemporánea. Deja que el lenguaje se amolde a tu lengua hasta que te brote del alma.

FEDERICO HERRERO Y NICOLÁS FRANCISCO HERRERO, ESPECIALISTAS EN EL ARTE DEL ACTOR, ACTUACIÓN. informes 15-58-235865

En el año 2003 los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, publican un libro inolvidable: -Actuación-, a continuación algunos conceptos contenidos en el libro citado.

Las técnicas del actor.

Armado de una pasión por la expresión personal, de un punto de vista particular y de un objetivo concreto, el actor debe adquirir un dominio de su oficio, porque, de lo contrario, todo el talento y la buena voluntad no le servirán para nada.

Existe una gran falta de conocimiento y mucha desinformación sobre la naturaleza de este oficio, más que sobre las otras artes. 

Se dice que la interpretación es un oficio meramente intuitivo y que no requiere técnica alguna.

Has nacido para ser actor, a actuar no se aprende, a actuar no se enseña, son frases que nacen de la ignorancia y de los prejuicios que una vez más relegan al actor a la figura de niño tonto con talento. 

Ésta es la opinión de aquellos que creen que los trucos del oficio se aprenden actuando en público. 

De esta manera nuestro teatro sigue siendo un arte mediocre, lleno de gandules y de imitaciones de estilos de teatro prefabricado que sólo salvan algunos actores excepcionales, gracias a que, dejando aparte su talento, saben lo que es el respeto, entienden su oficio y trabajan para perfeccionarlo. 

Todavía tenemos que superar los aspectos negativos de nuestra herencia teatral norteamericana. 

Una de estas rémoras es creer que la única manera de aprender, al igual que se hacía en el pasado, es entrando a formar parte de un grupo de actores ambulantes, en una compañía fija o en una agencia teatral como aprendiz y representar papeles breves, en ocasiones asesorado o dirigido por el director o por los actores principales, o simplemente copiando el estilo. 

Evidentemente, los actores con un talento extraordinario lograron sobrevivir porque supieron desarrollar una manera intuitiva y muy personal de trabajar (a menudo incapaces de articular) y confiaron en la experiencia de actuar ante un público para crecer como artistas. Pero éstos fueron y siguen siendo una excepción.

Cuando el público asiste a un ballet y observa las piruetas de los bailarines, los ascensos, la elasticidad, los veloces entrechats se quedan atónitos ante la maestría de este arte, y saben que lo que acaban de experimentar no habría sido posible si los artistas no hubieran pasado por años de práctica y formación. Cando el publico va a un concierto y observa como el violinista coloca su instrumento bajo el mentón, oprime las cuerdas con los dedos de una mano y arrastra el arco con la otra mientras toca una música maravillosa, sabe que es algo que nadie podría hacer igual de buenas a primeras. Y tampoco se fija en la técnica: se limita a escuchar la música y a disfrutar del ballet. Cando la técnica del actor destaca en primer plano, como ocurren con el teatro “eficaz” y artificial, de poses estudiadas, de recitación de palabras de modo mecánico, a menudo “tarareadas” por voces bien entrenadas, cuando se derraman lagrimas por el simple motivo de enseñar la capacidad que uno tiene de llorar en público en el momento justo, cuando la rimbombancia y el histrionismo se adueñan del ambiente, el público suele quedar impresionado porque sabe que nadie sería capaz de conseguir lo mismo.

Federico Herrero dice...yo admiro a un actor cuando su técnica es tan perfecta que se hace invisible y consigue que la audiencia sienta la presencia de un ser humano vivo con el que pueden identificarse en sus manías y sus preocupaciones a medida que éstas se van descubriendo en la obra. 
Creo fervientemente que cuando el público reconoce una proeza y se da cuenta de cómo se ha hecho, significa que el actor ha fracaso. No ha sabido utilizar bien la técnica.


Desgraciadamente, cuando triunfa, cuando su trabajo comunica y su poder como ser vivo ha traspasado y ha llegado a las butacas, es entonces cuando la mayor parte del público está convencido de que ellos también pueden hacerlo, dejando aparte el recurrente: “¿Cómo pueden aprenderse tanto texto?” Por lo demás, los espectadores se creen unos críticos experimentados y a menudo aleccionan a los actores con sus “esto se hace así”, “esto es hace asá”. A veces, el actor inseguro, aturdido, llega incluso a escucha y a tomar la dirección equivocada. El actor debe saber que, dado que es un instrumento, debe ponerse al servicio del personaje y utilizarlo con la misma destreza con la que el violinista hace música con su violín. El hecho de que el cuerpo de un actor no sea como un violín no significa que la técnica sea más fácil de adquirir. La curiosidad malsana de qué es lo que motiva a un actor a serlo, que se pone de manifiesto continuamente en los programas de entrevistas, al igual que en los interminables talleres abiertos, las frases superficiales que los actores contestan (a menudo acompañadas de anécdotas personales “graciosas”), no hacen más que agravar el problema. Ni el público, ni los presentadores de los programas, suelen mostrar interés en oír hablar sobre los ejercicios de dedos de un músico, de los pliés de una bailarina, de la paleta de un pintor ni de cómo éste aplica las capas de pintura a sus acuarelas. ¿Por qué deberían entonces interesarse en nuestra técnica? Es nuestro problema, no el de ellos. Así que a ti, actor, que de todo tu ser haces tú instrumento, ¡te explicaré en qué consiste la técnica que hace posible nuestra maravillosa profesión!

Las técnicas externas

En Europa, hasta hace poco, a muy pocos actores se les hubiera permitido subir a un escenario sin haber antes asistido a clases de expresión corporal, educación de la voz y dicción. Yo misma empecé en el teatro muy bien formada en las tres materias, y, a pesar de que no imparto clases de ninguna de las tres, os explicaré por qué les concedo tanta importancia y por qué me asusta la indiferencia que a menudos muestra nuestro teatro hacia ellas. Si tu objetivo es hacer carrera en la televisión y desempeñar papeles cercanos a tu persona, en los que tu andar desgarbado en tejanos y tu acento local no son traba alguna para el trabajo, y en los que el micrófono oculta sin problemas tu voz afónica, no tendrás que preocuparte ni siquiera por las técnicas más elementales. Pero si ambicionas algo más, por favor escucha mis consejos.



Empezaras por reconocer que el cuerpo es la manifestación externa del actor, el instrumento más visible mediante el que se puede comunicar el pensamiento o sentimiento más sutil. Es un instrumento de comportamiento regio y porte olímpico aunque también susceptible de achaques, debilidades y cambios, según los requisitos del papel a interpretar. No tardaréis en ser conscientes de que os harán falta muchos años de tesón para perfeccionar la técnica de este instrumento. La danza moderna es uno de los medios idóneos para adquirir una colocación corporal correcta, una conciencia cinética y una flexibilidad física. La natación y la gimnasia son igualmente muy útiles para ello. Mediante el tenis y la esgrima, deportes que ponen a uno en forma, se trabaja la interacción y los reflejos que se requieren para responder al “dar y recibir” tan común en las escenas de teatro. El mismo ejercita la imaginación y la técnica de evocación de objetos y personajes que se hallan ausentes mientras se actúa desplegando toda clase de movimientos físicos. El movimiento escénico, que tanto se enseña en las clases, suele crear en los actores una gestualidad demasiado consciente y artificial que los lleva a buscar posturas previsibles y ensayadas, mientras que la danza, el deporte y el mimo exigen un cuerpo capaz de responder espontáneamente y casi por reflejo a los estímulos de los diferentes personajes sin interferir en las reacciones humanas del actor.

La voz es un instrumento que hay que aprender a tocar. Hay que tratarlo como trataríamos a un Stradivarius, utilizando las técnicas del arco más elaboradas para no rascar las cuerdas. Un mal uso del instrumento conduce a la formación de nódulos, a la distensión de las cuerdas, que es la causante de las raspaduras y las afonías tan comunes en los actores mayores y, a veces, también en los más jóvenes. También provoca laringitis y puede obligar al actor a ausentarse de su trabajo. Otras muestras de un mal uso del instrumento son las voces gangosas, chillonas yo los vozarrones profundos y de registro muy limitado. Aunque Dios te haya provisto de una voz naturalmente bien colocada, debes entrenarla para mantener esa buena disposición y aprender a cuidarla mediante las técnica de respiración correctas a fin de poder ser escuchado en un gran teatro sin gritar, ni forzar o proyectar la voz de manera ansiosa. Actualmente, en la mayoría de espacios teatrales de Broadway se utilizan micrófonos, porque hay muy pocos actores que proyecten bien su voz.

La intrusión de un objeto mecánico en la comunicación de un espectáculo en directo es un fenómeno muy triste, y es sólo un pretexto para culpar al publico de no escuchar, en parte porque está acostumbrado a los volúmenes habituales de la televisión. Tienes que estar provisto de in instrumento bien templado y que disponga de la suficiente flexibilidad para dar voz a una amplia variedad de personajes. Además ha de tener la suficiente potencia para ser oída en un teatro de dimisiones importantes. Tomar clases de canto es una buena manera de entrenarla. Las “clases de voz” pueden acarrear consecuencias similares a las que resultan de las clases de “movimiento escénico”, con las que se pretende sustituir a la danza. A través del canto aprenderás a entender el instrumento vocal y a ejercitarlo sin necesidad de tener que oírte hablar. No caerás en la tentación de emitir bellos sonidos sólo por gusto y sabrás poner tu voz al servicio del personaje sin desplegar extrañas estrategias ni mostrar tensión por estar demasiado pendiente de ti mismo.



La dicción, esa facultad gloriosa de comunicación de la que solo el hombre disfruta, es el único instrumento del actor que le diferencia de los demás artistas de las artes escénicas. Dominar el acento estándar, que es bonito y elegante, y tatar de pronunciarlo sin afectaciones ni superficialidad es una de las obligaciones de todos y cada uno de los miembros que forman nuestra profesión. Las afectaciones son síntomas de pereza y de falta de disciplina y compromiso. Muy pocos llegan a conseguir hablar con naturalidad hasta el punto de integrar el instrumento en su cuerpo. Incluso los que han recibido dos o tres clases de dicción semanales durante las que aprendieron y practicaron las articulaciones apropiadas, caen en los vicios adquiridos en el momento en que abandonan el aula. Consecuentemente, nunca llegan a creer que son realmente ellos quienes están hablando bien. Se ven a sí mismos como unos estudiantes que “ponen” un acento. Y cuando aplican la nueva técnica aprendida a un papel determinado, se sienten “antinaturales” y el mismo personaje se aleja del discurso humano espontáneo. Todos los que realmente lo consiguen sabrán trasladarse a la época histórica que su discurso requiere y representar una infinita variedad de personajes con total credibilidad. El consejo que da Hamlet a los actores (“Di tu parlamento, por favor, como te lo he recitado, como brincando en la lengua”) no tiene mucho sentido si lo pronuncias con las típicas inflexiones neoyorquinas o de cualquier otro lugar. Estamos acostumbrados al tonillo cómico, al daño causado a la poesía de Christopher Fry y T. S. Eliot, a las diatribas de Shaw y a sus rimas cansinas, sus malas pronunciaciones y sus dejes. La solución no es poner acento británico, pues supondría situar a Chejov, Ibsen, Strindberg o a Moliere en el corazón de Inglaterra. El acento británico pertenece a nuestros colegas del otro lado del charco. Si un personaje en concreto o el contexto de la obra lo requieren, un acento puede aprenderse con una facilidad comparable ala que se necesita para aprender otros dialectos o acentos. (Cuando digo “facilidad comparable” es porque doy por hecho que el acento estándar ya se domina.) Y resulta muy fácil recuperar el acento original si el papel así lo requiere.

A fin de que el actor asimile lo que ha aprendido en clase, debe estar dispuesto a llevarse consigo las lecciones a la calle, y repetir las frases y sonidos cada día de su vida hasta que la práctica se convierta en algo natural. Tendrá que mostrase muy valiente y luchar contra una sociedad que considera pecado no ser un “tío enrollado” o que cada palabra, sonido o movimiento que esté fuera de los cánones establecidos y conocidos por todos sea juzgado como signo de afectación o de deslealtad. El actor tendrá que fortalecerse contra las críticas de amigos y familiares cuando haga esfuerzos por hablar con propiedad y estos no dejen de decirle que “se le están subiendo los humos” o que su comportamiento “es muy teatral” o que lo ven muy “engreído”. Deberá practicar la dicción hasta que se acostumbre a ella, hasta que se oiga a sí mismo hablando con total naturalidad y pueda gozar de su nueva libertad verbal, de manera que la locución “to be or not to be” declamada y dicha de manera muy afectada, suene a sus oídos como una frase estrafalaria y no se vea obligado a pronunciarla de esta manera para transmitir credibilidad como actor.



Se puede aplicar el mismo principio al trabajo corporal, cuando el actor practica la colocación del cuerpo o la fluidez de movimientos caminando por el estudio de danza, aunque, a la hora de salir del aula, se verá obligado a hacerlo con los hombros caídos, arrastrando los pies y enseñando la barriga para que nadie le tache de “peripuesto”.


Hay otras maneras de practicar la dicción fuera del aula, por ejemplo, ejercitando la lectura a vista en tu propia casa media hora al día. Búscate un amigo que haga de oyente de vez en cuando para darte cuenta de la destreza con que puedes comunicar el contenido del texto. En tan sólo unos meses conseguirás grandes mejoras en tu articulación y pronunciación. Elige el material con esmero: lee novelas con un vocabulario elaborado o ensayos de Emerson y Thoreu. Lee poesía, los sonetos de Shakespeare. Si te enfrentas a leer teatro, lee en voz alta sólo las escenas de personajes que no te planteas representar en serio en el futuro. Lee los prólogos de las obra de Shaw. Te familiarizarás con las ideas y las expresiones idiomáticas del autor. Estos ejercicios tan útiles para la lectura a vista, la voz y la dicción, son preparaciones para el proceso orgánico posterior de asimilar el lenguaje de cada personaje. Si aplicas trucos vocales efectistas al lenguaje de un personaje, perjudicarás el trabajo de base que has aprendido. En otras palabras, no confundas estos ejercicios con lo que se conoce por interpretación.

Estos ejercicios también estimularán tu gusto por las palabras, por un lenguaje refinado y mejorarán tu capacidad de hacer tuyo el lenguaje. Acabarás rechazando el “boludo” y el “nada” tan comunes como únicas locuciones para responder. En su lugar, utilizarás la infinita lista de adjetivos, verbos y nombres que puedes encontrar en cualquier diccionario. Te darás cuenta de la cansina tendencia de nuestra sociedad a decir: “¡¡De qué vas!!”, y en su lugar buscarás una expresión de desaprobación o de rechazo más apropiada. Por no hablar de los famosos “ahhhh” o “uau” que sustituyen a un auténtico suspiro ante la puesta de sol o ante un huracán, o de la utilización de improperios como único medio de expresar frustración o rabia. Lee en voz alta. Aprende a saborear literatura clásica y contemporánea. Deja que el lenguaje se amolde a tu lengua hasta que te brote del alma.

Actuación Akira Kurosawa Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero el actor especialistas teléfono 15-58-235865 Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, directores de teatro, dictaron una conferencia en el Teatro Escuela Central, tema: -Actuación y cultura-, en un instante de la misma, destacan la figura del directo de cine y teatro Akira Kurosawa. Federico Herrero comenta: es monumental la capacidad de Akira Kurosawa en la dirección de actores, logra de los mismos trabajos relevantes. Aspectos de la cultura japonesa incorporados en las tragedias de Akira Kurosawa Aun tomando un género literario occidental, Kurosawa no dejó de lado sus raíces. Esto es una de las constantes no solo en las cuatro películas sino en toda su obra filmográfica (treinta y un películas en total). Fusiona el teatro tradicional japonés: -noh y el kabuki- con la tragedia. De modo que en esa búsqueda de encuentros culturales busca los puntos convergentes. En este caso, identifica el drama humano solo que con abordajes totalmente diferentes. Se identifican personajes femeninos de -Trono de Sangre- y -Ran- con maquillajes similares a la mascara noh y una vestimenta lucida con movimientos lentos y una plástica y justificada sucesión de movimientos. Con esas películas más que internarse en las problemáticas el espectador tiene la posibilidad de aproximarse a artes tradicionales del Japón. La Ceremonia del té es otro de las manifestaciones culturales identificadas en los filmes. Se le asocia a los pocos momentos de felicidad del héroe. En palabras de Federico Herrero, se está ante un rito, entendiéndose por éste un acto simbólico que como tal es un horizonte de sentido. Aunque no se le identifica dentro de este rito la conexión entre el hombre y el momento presente es tan solo una referencia antes de desarrollarse lo trágico. Las celebraciones con sake (especie de bebida) es otro de los ritos mas frecuentes. Una concurrencia entre amigos o familiares. Parte, de una celebración y de esa breve felicidad. Por ejemplo, en -Ran-, la reunión de Hidetora con sus hijos y los otros clanes aparece antes de plantearse la decisión de aquel viejo daimio (jefe de samuráis) de ceder la autoridad al hijo mayor. También se usa esa bebida como una vía para llevar a cabo un acto de sangre, -Trono de Sangre- ejemplifica esto. Los vestuarios de los samuráis -como parte de la puesta en escena- representan un punto importante en el momento de identificar lo oriental, más específicamente hablando de lo japonés. Ese guerrero es representado en dos momentos importantes. Como clase dominante en el período de Tokugawa y en su decadencia (anunciada desde la era Meiji).

Actuación Akira Kurosawa Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero el actor especialistas teléfono 15-58-235865Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, directores de teatro, dictaron una conferencia en el Teatro Escuela Central, tema: -Actuación y cultura-, en un instante de la misma, destacan la figura del directo de cine y teatro Akira Kurosawa.

Federico Herrero comenta: es monumental la capacidad de Akira Kurosawa en la dirección de actores, logra de los mismos trabajos relevantes.

Aspectos de la cultura japonesa incorporados en las tragedias de Akira Kurosawa

Aun tomando un género literario occidental, Kurosawa no dejó de lado sus raíces. 

Esto es una de las constantes no solo en las cuatro películas sino en toda su obra filmográfica (treinta y un películas en total).

Fusiona el teatro tradicional japonés: -noh y el kabuki- con la tragedia. De modo que en esa búsqueda de encuentros culturales busca los puntos convergentes. 

En este caso, identifica el drama humano solo que con abordajes totalmente diferentes.

Se identifican personajes femeninos de -Trono de Sangre- y -Ran- con maquillajes similares a la mascara noh y una vestimenta lucida con movimientos lentos y una plástica y justificada sucesión  de movimientos. 

Con esas películas más que internarse en las problemáticas el espectador tiene la posibilidad de aproximarse a artes tradicionales del Japón.

La Ceremonia del té es otro de las manifestaciones culturales identificadas en los filmes. Se le asocia a los pocos momentos de felicidad del héroe. 

En palabras de Federico Herrero, se está ante un rito, entendiéndose por éste un acto simbólico que como tal es un horizonte de sentido. 

Aunque no se le identifica dentro de este rito la conexión entre el hombre y el momento presente es tan solo una referencia antes de desarrollarse lo trágico.

Las celebraciones con sake (especie de bebida) es otro de los ritos mas frecuentes. 

Una concurrencia entre amigos o familiares. 

Parte, de una celebración y de esa breve felicidad. 

Por ejemplo, en -Ran-, la reunión de Hidetora con sus hijos y los otros clanes aparece antes de plantearse la decisión de aquel viejo daimio (jefe de samuráis) de ceder la autoridad al hijo mayor. 

También se usa esa bebida como una vía para llevar a cabo un acto de sangre, -Trono de Sangre- ejemplifica esto.

Los vestuarios de los samuráis -como parte de la puesta en escena- representan un punto importante en el momento de identificar lo oriental, más específicamente hablando de lo japonés. 

Ese guerrero es representado en dos momentos importantes. Como clase dominante en el período de Tokugawa y en su decadencia (anunciada desde la era Meiji).

Biomecánica Meyerhold Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero especialistas directores actuación teléfono 15-58-235865 Los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, presentaron en el Teatro Escuela Central, un trabajo de investigación, tema: -Teoría teatral-- Del trabajo citado a continuación conceptos sobre Vsevolod Emílievich Meyerhold, director de teatro. Vsevolod Emílievich Meyerhold; nace en Penza en el año 1874 y muere en Moscú en el año 1942. Meyerhold, introdujo el concepto de Biomecánica que es el entrenamiento del actor. Director y teórico teatral ruso, una de las figuras clave del teatro contemporáneo junto a Stanislavski, del que se separó buscando un camino propio que le llevó a establecer la teoría teatral de la convención consciente y el método interpretativo que bautizó como Biomecánica. Partía de las experiencias y dinámicas llevadas a cabo en su estudio de actuación, donde formaba a actores. Para él, todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos, teniendo en cuenta que a su parecer el trabajo del actor es la creación de formas plásticas en el espacio, debe estudiar y ser un perfecto conocedor de la mecánica de su propio cuerpo, pues cualquier manifestación de fuerza está sujeta a las mismas leyes del movimiento y la interpretación del actor no es otra cosa que una manifestación de fuerza del cuerpo humano. Para Meyerhold la biomecánica era como un juego de lo circense, del deporte y del ritmo, de la danza: equilibrio y movimiento, todo conjugado de un modo ordenado y consciente, con una formulación rigurosa y orgánica. Pues esto sirve al actor como medio de expresión de un personaje. Meyerhold creó un método de ejercicios de entrenamiento de actores, que es un medio tanto para el entrenamiento físico como para el conocimiento de sí mismo. La naturaleza del actor debe ser especialmente apta para responder a los reflejos, reproducir los movimiento, el sentimiento y la palabra, una tarea propuesta desde el exterior. Los modos de expresión se dan para Meyerhold en tres fases: la intención.- que es la fase intelectual de la tarea, propuesta por el dramaturgo, el director o por el propio actor, la realización.- que comprende un ciclo de reflejos miméticos (movimientos y desplazamientos en el espacio) y reflejos vocales, la reacción.- que sigue a la realización, que atenúa el reflejo anterior y prepara para una nueva intención, que daría lugar a un nuevo ciclo de interpretación. Técnica.- En sus clases se incluyen dinámicas de ejercicios corporales bajo el principio improviso, el cuerpo humano en el espacio, el gesto como un embate-llevado a la vida como un simple movimiento del cuerpo, movimientos en circulo, en cuadrado, en triángulo, movimientos en exteriores e interiores, por ejemplo rutinas de obreros, movimientos sobre un fondo musical, el ritmo como apoyo del movimiento; la música debe ser parte del espectáculo de manera real o imaginaria, como si fuera entonada por el personaje en escena. Su planteamiento rebasaba una simple técnica de entrenamiento actoral, la biomecánica es parte de ese todo; él fortalecía una propuesta teatral por diferentes medios, la escena, talleres, conferencias, artículos, publicaciones, una visión diferente y polémica del arte escénico, que ampliaba los senderos a la exploración teatral de afuera hacia dentro. Al triunfo de la Revolución de Rusia, Meyerhold se alista como uno de los más activos reformadores del Nuevo Teatro Revolucionario; él sostiene que el principal sentido del teatro es la agitación, por tanto debe ponerse al servicio de los fines de revolución. Motivado por esta idea se vuelve característico en él, recurrir a un grotesco extremo, a la sátira, al empleo de figures retóricas a manera de imágenes en la escena, tales como: la hipérbole y la metáfora; también se acerca más al simbolismo, al constructivismo, con el fin de llevar con fuerza y frescura al público signos, imágenes, ideas y sentimientos que impacten por todos los medios al espectador. Meyerhold concebía el espectáculo como una sofisticada expresión de la representación de una grandiosa fiesta. Meyerhold y algunos conceptos: No es necesario vivir el sentimiento en escena, sino expresarlo mediante una acción física, el actor forma parte de un conjunto mucho más amplio de formas plásticas en el escenario. Todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos. La Biomecánica intenta por primera vez enseñar lo que todo hombre debe aprender si quiere ser un elemento cualificado de la sociedad, en la Biomecánica se asiste al encuentro entre la organización en el arte y en la vida. Federico Herrero, aclara que la Biomecánica es un entrenamiento para ejercitar el cuerpo y la mente, Meyerhold exigía la realización de cada movimientos de los actores para que se ocuparan en en el escenario de una tarea definida, pues quería que sus gestos y sus cuerpos tomaran un dibujo preciso, que fuera hábil mostrando procesos y traduciendolos en formas abstractas de expresión, esto permite al actor dirigir su interpretación, coordinarla con el espectador y sus compañeros, comprender las posibilidades del cuerpo y los movimientos expresivos.

Biomecánica Meyerhold Federico Herrero Nicolás Francisco Herrero especialistas directores actuación teléfono 15-58-235865

Los directores de teatro Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, presentaron en el Teatro Escuela Central, un trabajo de investigación, tema: -Teoría teatral--

Del trabajo citado a continuación conceptos sobre Vsevolod Emílievich Meyerhold, director de teatro. 

Vsevolod Emílievich Meyerhold; nace en Penza en el año  1874 y muere en Moscú en el año 1942.

Meyerhold, introdujo el concepto de Biomecánica que es el entrenamiento del actor. 

Director y teórico teatral ruso, una de las figuras clave del teatro contemporáneo junto a Stanislavski, del que se separó buscando un camino propio que le llevó a establecer la teoría teatral de la convención consciente y el método interpretativo que bautizó como Biomecánica.

Partía de las experiencias y dinámicas llevadas a cabo en su estudio de actuación, donde formaba a actores. 

Para él, todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos, teniendo en cuenta que a su parecer el trabajo del actor es la creación de formas plásticas en el espacio, debe estudiar y ser un perfecto conocedor de la mecánica de su propio cuerpo, pues cualquier manifestación de fuerza está sujeta a las mismas leyes del movimiento y la interpretación del actor no es otra cosa que una manifestación de fuerza del cuerpo humano.

Para Meyerhold la biomecánica era como un juego de lo circense, del deporte y del ritmo, de la danza: equilibrio y movimiento, todo conjugado de un modo ordenado y consciente, con una formulación rigurosa y orgánica. 

Pues esto sirve al actor como medio de expresión de un personaje.

Meyerhold creó un método de ejercicios de entrenamiento de actores, que es un medio tanto para el entrenamiento físico como para el conocimiento de sí mismo. 

La naturaleza del actor debe ser especialmente apta para responder a los reflejos, reproducir los movimiento, el sentimiento y la palabra, una tarea propuesta desde el exterior.

Los modos de expresión se dan para Meyerhold en tres fases:
la intención.- que es la fase intelectual de la tarea, propuesta por el dramaturgo, el director o por el propio actor, la realización.- que comprende un ciclo de reflejos miméticos (movimientos y desplazamientos en el espacio) y reflejos vocales, la reacción.- que sigue a la realización, que atenúa el reflejo anterior y prepara para una nueva intención, que daría lugar a un nuevo ciclo de interpretación.

Técnica.-
En sus clases se incluyen dinámicas de ejercicios corporales bajo el principio improviso, el cuerpo humano en el espacio, el gesto como un embate-llevado a la vida como un simple movimiento del cuerpo, movimientos en circulo, en cuadrado, en triángulo, movimientos en exteriores e interiores, por ejemplo rutinas de obreros, movimientos sobre un fondo musical, el ritmo como apoyo del movimiento; la música debe ser parte del espectáculo de manera real o imaginaria, como si fuera entonada por el personaje en escena.

Su planteamiento rebasaba una simple técnica de entrenamiento actoral, la biomecánica es parte de ese todo; él fortalecía una propuesta teatral por diferentes medios, la escena, talleres, conferencias, artículos, publicaciones, una visión diferente y polémica del arte escénico, que ampliaba los senderos a la exploración teatral de afuera hacia dentro.

Al triunfo de la Revolución de Rusia, Meyerhold se alista como uno de los más activos reformadores del Nuevo Teatro Revolucionario; él sostiene que el principal sentido del teatro es la agitación, por tanto debe ponerse al servicio de los fines de revolución. 

Motivado por esta idea se vuelve característico en él, recurrir a un grotesco extremo, a la sátira, al empleo de figures retóricas a manera de imágenes en la escena, tales como: la hipérbole y la metáfora; también se acerca más al simbolismo, al constructivismo, con el fin de llevar con fuerza y frescura al público signos, imágenes, ideas y sentimientos que impacten por todos los medios al espectador.

Meyerhold concebía el espectáculo como una sofisticada expresión de la representación de una grandiosa fiesta.

Meyerhold y algunos conceptos:
No es necesario vivir el sentimiento en escena, sino expresarlo mediante una acción física, el actor forma parte de un conjunto mucho más amplio de formas plásticas en el escenario.

Todo el  cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos.

La Biomecánica intenta por primera vez enseñar lo que todo hombre debe aprender si quiere ser un elemento cualificado de la sociedad, en la Biomecánica se asiste al encuentro entre la organización en el arte y en la vida.

Federico Herrero, aclara que la Biomecánica es un entrenamiento para ejercitar el cuerpo y la mente, Meyerhold exigía la realización de cada movimientos de los actores para que se ocuparan en en el escenario de una tarea definida, pues quería que sus gestos y sus cuerpos tomaran un dibujo preciso, que fuera hábil mostrando procesos y traduciendolos en formas abstractas de expresión, esto permite al actor dirigir su interpretación, coordinarla con el espectador y sus compañeros, comprender las posibilidades del cuerpo y los movimientos expresivos.